NÉO-EXPRESSIONNISME · FIGURE · MATIÈRE · ANNÉES 1980
Néo-expressionnisme : 100 peintures essentielles
Le retour turbulent de la figure, de l’histoire et du geste pictural
À la fin des années 1970, une génération de peintres remet au premier plan la figure, le récit, le symbole et la matière. De l’Allemagne aux États-Unis, de l’Italie à la France, la toile redevient un lieu de confrontation avec l’histoire, le corps, la mémoire et la culture populaire.
Une constellation plutôt qu’une école
Ce que recouvre le néo-expressionnisme
Le terme désigne le retour international à une peinture figurative, physique et volontiers dissonante autour de 1980. Il rapproche, sans les confondre, les Neue Wilde allemands, la Transavanguardia italienne, la scène new-yorkaise et certaines figurations françaises.
Ces artistes ne restaurent pas simplement l’expressionnisme : ils reprennent ses tensions pour affronter l’après-guerre, les médias, la violence politique et la crise des grands récits.
Le parcours commence par les œuvres emblématiques de Baselitz, Kiefer, Basquiat, Schnabel, Chia et Clemente. Il inclut ensuite des précurseurs décisifs comme Philip Guston, des contemporains proches, puis des prolongements qui montrent comment la peinture expressive a survécu aux années 1980.
Entrer dans le classement100 peintures pour comprendre le néo-expressionnisme
Les œuvres qui ont imposé le retour de la figure, du récit et de la matière.
#1
Vente aux enchères d’esclaves (Slave Auction)
Basquiat mêle silhouettes, mots, schémas et papiers froissés pour confronter l’histoire de l’esclavage à la circulation moderne des corps et des marchandises. La couronne et les signes d’autorité sont sans cesse disputés par l’image de la vente.
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#2
L’Ordre des anges (Die Ordnung der Engel)
Kiefer organise les hiérarchies célestes autour d’une palette, emblème ambigu du pouvoir de l’artiste. Paille, plomb et gomme-laque transforment la peinture en relique matérielle où spiritualité et histoire allemande restent inséparables.
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#3
Les Filles d’Olmo II (Die Mädchen von Olmo II)
Baselitz renverse ses figures depuis 1969 afin de déplacer l’attention du sujet vers l’acte de peindre. Les jeunes filles d’Olmo deviennent ainsi des corps familiers mais instables, soumis à une touche rude et à une orientation impossible.
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#4
L’Humanité endormie (Humanity Asleep)
Schnabel peint sur des assiettes brisées fixées au support, faisant de la surface un relief coupant. Humanity Asleep oppose la fragilité du corps endormi à une matière spectaculaire qui refuse la peinture plane.
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#5
Le Porteur d’eau (Water Bearer)
Le porteur d’eau de Chia avance comme un héros antique volontairement décalé. Couleurs brillantes, modelé emphatique et pose monumentale réactivent la grande peinture d’histoire avec une ironie typique de la Transavanguardia.
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#6
Soleil de minuit II (Midnight Sun II)
Dans Midnight Sun II, Clemente associe figure, symbole et espace mental sans les soumettre à un récit continu. Son nomadisme entre l’Italie, l’Inde et New York nourrit une iconographie où identité et métamorphose se confondent.
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#7
Tout est issu de la volonté du peuple (Alles geht vom Volke aus)
Immendorff détourne une formule politique affirmant que tout pouvoir vient du peuple. La peinture devient une scène de confrontation entre slogans, personnages et symboles, dans l’Allemagne divisée des années 1970.
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#8
Peinture pour Eli (Painting for Eli)
Salle juxtapose des images provenant de registres incompatibles, sans proposer de clé narrative unique. Painting for Eli fait du montage visuel une critique du regard : chaque fragment modifie la lecture des autres.
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#9
Soirée pyjama (Slumber Party)
Fischl place l’ambiguïté psychologique au cœur d’une scène domestique apparemment banale. Les adolescents, les gestes et la lumière construisent une tension sans événement explicite, révélant les non-dits de la banlieue américaine.
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#10
États-Unis (United States)
Le cheval schématique de Rothenberg, isolé sur la toile, fut déterminant dans le retour de la figure au milieu des années 1970. United States transforme l’animal en signe archaïque, à la fois corps, territoire et mémoire.
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#11
Interrogatoire II (Interrogation II)
Golub représente l’interrogatoire comme une relation de pouvoir dépouillée de tout héroïsme. Les bourreaux occupent l’espace frontal de la toile libre ; la surface raclée donne à la violence une présence physique.
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#12
De retour sur Terre (Back on Earth)
Murray fait éclater le rectangle traditionnel en associant deux toiles aux contours actifs. Back on Earth transforme objets domestiques et formes abstraites en personnages d’une scène comique, instable et résolument corporelle.
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#13
À l’Être suprême (To the Supreme Being)
Kiefer reprend l’idée révolutionnaire d’un « Être suprême » pour interroger la fabrication des croyances collectives. Paille, bois gravé et couches épaisses donnent au tableau l’apparence d’un paysage brûlé et d’un monument en ruine.
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#14
Adieu
Deux figures inversées semblent se séparer dans Adieu. Baselitz évite le pathos narratif en retournant la scène, mais la densité de la touche et la distance entre les corps maintiennent une émotion de rupture.
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#15
Le Grand Pas (The Big Step)
Lüpertz traite le pas monumental comme un fragment de signe héroïque devenu difficile à lire. L’objet reste présent, mais sa simplification et son isolement le poussent vers l’abstraction.
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#16
Parsifal II
Parsifal II transpose la légende wagnérienne dans une chambre de bois vide. Le sang mêlé à la peinture et le mobilier frontal font du mythe national un espace de mémoire inquiétant, sans personnage héroïque.
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#17
Portrait de J. S. à Hakodate, Japon, 1934
Le portrait fictif associe une identité, une date et un lieu qui résistent à toute vérification simple. Schnabel utilise cette énigme biographique pour donner au tableau l’autorité trompeuse d’un document ancien.
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#18
Albino
Dumas travaille à partir d’images photographiques qu’elle dilue jusqu’à rendre les corps vulnérables. Albino confronte le regard aux catégories raciales et à la visibilité de la peau, sans stabiliser l’identité du modèle.
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#19
Salomon
Barceló mêle acrylique, fusain, mégots et allumettes dans une surface qui paraît consumée par son propre sujet. Salomon transforme la figure biblique en présence matérielle, à la fois savante et terreuse.
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#20
Egyptian Reggae
Combas invente dès 1979 une peinture saturée de musique, de bande dessinée et de contre-culture. Egyptian Reggae fait collisionner antiquité imaginaire et culture populaire dans un rythme graphique sans hiérarchie.
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Voir la notice de l’institution →La peinture devient un théâtre de la mémoire collective et de la violence contemporaine.
#21
Tableau-sur-l’autre (Bildübereins)
Tableau-sur-l’autre porte dans son titre l’idée de recouvrement et de reprise. Baselitz superpose mémoire de l’image et matérialité de la touche, faisant de la peinture un acte qui corrige autant qu’il affirme.
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#22
Ralf III
Ralf III appartient aux figures héroïques fragmentées des années 1960. Le corps massif paraît blessé par les coupures de la composition ; Baselitz invente un antihéros allemand incapable d’incarner une grandeur intacte.
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#23
Exécution (Exekution)
Dans Exécution, Lüpertz associe toile et métal pour donner au motif une présence presque monumentale. Le titre impose une violence historique que la figure ne raconte pas directement, mais que la matière rend sensible.
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#24
La Forêt du monde (Weltenwald)
Weltenwald, la « forêt du monde », rassemble symboles politiques, mythes et souvenirs dans un espace dense. Immendorff transforme la forêt allemande en théâtre de l’histoire plutôt qu’en refuge naturel.
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#25
Entre ses mains (In Her Hands)
Dans In Her Hands, Salle poursuit son montage d’images à l’époque contemporaine. Le fusain, l’huile et l’acrylique installent plusieurs temporalités, comme si la peinture examinait la mémoire fragmentaire des médias.
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#26
Problème d’acheminement (Trouble in Routing)
Trouble in Routing évoque un problème de circulation autant qu’un dérèglement narratif. Les fragments visuels ne convergent pas vers une scène unique ; le spectateur doit construire puis abandonner plusieurs parcours.
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#27
Papier bleu (Blue Paper)
Blue Paper juxtapose peinture fluorescente, huile et plans discontinus. Salle utilise la séduction chromatique pour rendre plus incertaine la relation entre les corps, les objets et leurs sources reproduites.
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#28
Étrange endroit pour se garer no 2
Une voiture stationnée dans un lieu inapproprié suffit à déclencher une narration inquiétante. Fischl transforme la scène américaine ordinaire en énigme morale, où le malaise vient de ce qui reste hors champ.
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#29
Vietnam I
Vietnam I refuse l’image militaire glorieuse. Les corps agrandis et la toile brute ramènent la guerre à une confrontation physique ; Golub relie directement le geste pictural à la violence politique contemporaine.
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#30
Torse colossal II (Colossal Torso II)
Le torse colossal reprend l’échelle héroïque de l’Antiquité tout en la privant d’intégrité. La chair lacérée par le travail de surface transforme le monument en corps vulnérable.
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#31
Escouade blanche XI (White Squad XI)
White Squad XI met en scène une violence d’État anonyme, inspirée des escadrons de la mort. La toile libre rapproche les figures du spectateur et supprime la distance protectrice du cadre.
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#32
Peinture avec trois balles (Painting with Three Balls)
Baechler isole trois balles dans un espace volontairement sommaire. Le dessin d’apparence enfantine, agrandi et recouvert, interroge la manière dont les symboles ordinaires deviennent des emblèmes.
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#33
Ex-voto à la chèvre
Dans Ex-voto à la chèvre, Barceló traite la toile comme une paroi chargée d’offrandes et de traces. L’animal relie iconographie rurale, sacrifice et mémoire méditerranéenne.
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#34
Vous avez le bonjour de Marcel
Alberola adresse un salut ironique à Marcel Duchamp tout en revenant à la peinture. Le texte et l’image deviennent les éléments d’une enquête sur l’héritage conceptuel et la possibilité de représenter.
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#35
L'Afrique
L’Afrique n’est pas décrite comme un territoire homogène : Alberola confronte imaginaire politique, citations et fragments de récit. La peinture assume ses contradictions plutôt que de prétendre fournir une carte.
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#36
En avant les enfants
En avant les enfants combine humour, violence et énergie graphique sur un carton d’emballage. Combas abolit la frontière entre support pauvre, culture populaire et ambition monumentale.
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#37
La Vierge noire et son enfant blanc
Le titre inverse les catégories de couleur associées à la Vierge et à l’Enfant. Combas transforme l’iconographie religieuse en image critique, saturée de signes et d’inventions verbales.
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#38
Un homme et une femme mais pas de celui qui louche
La phrase-titre fonctionne déjà comme une scène comique. Combas peint le couple avec une profusion de contours et de motifs qui empêche tout personnage de rester isolé du récit environnant.
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Voir la notice de l’institution →La France, l’Allemagne et leurs voisines renouvellent images populaires, mythes et signes.
#39
Lambert Pépère
Lambert Pépère appartient au monde de héros ordinaires inventés par Combas. La touche et l’inscription donnent au personnage une identité bruyante, située entre portrait, caricature et chanson.
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#40
Le Repas des animaux
Di Rosa peint sur peau de zébu et ajoute cuir et eucalyptus, résultat de ses recherches hors du support occidental traditionnel. Le repas devient une scène fabuleuse où voyage, artisanat et imagerie populaire se rencontrent.
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#41
Sans titre (1982, Rémi Blanchard)
Le Sans titre de Blanchard transforme la toile en espace de récit immédiat. La simplification des formes et la couleur directe refusent aussi bien le réalisme académique que la neutralité conceptuelle.
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#42
Musée de l'Homme I
Boisrond prend le musée lui-même comme sujet, observant visiteurs, vitrines et dispositifs d’exposition. L’apparente simplicité graphique devient une réflexion sur la manière dont les cultures sont montrées.
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#43
Six tableaux pour le Musée national d’art moderne
Ces six tableaux ont été conçus pour dialoguer avec l’accrochage du musée. Boisrond met en abyme œuvres, architecture et regard du visiteur, transformant l’institution en scène peinte.
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#44
Sans titre (1982, Jean Charles Blais)
Blais utilise des affiches arrachées dont les couches se replient et se détachent. La figure surgit d’un support urbain déjà marqué, comme si la peinture révélait un corps caché dans la ville.
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#45
Sans titre (1986, Jean Charles Blais)
En 1986, Blais associe papier d’argent et affiches lacérées. Les reflets et les déchirures donnent à la silhouette une présence théâtrale tout en rappelant la fragilité de son support.
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#46
Paysage international de nuit (International Landscape by Night)
Yan Pei-Ming agrandit le paysage jusqu’à lui donner l’intensité d’un portrait. La nuit, peinte dans une gamme réduite, devient un espace politique où lumière et obscurité s’affrontent.
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#47
Survivants
Survivants montre des figures maintenues dans une matière fluide et presque monochrome. Yan Pei-Ming évite le récit précis pour donner à la survie une portée collective.
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#48
Le Missionnaire (The Missionary)
Le Missionnaire naît d’une photographie transformée par la dilution et les coulures. Dumas interroge simultanément autorité religieuse, désir, vulnérabilité et pouvoir du portrait peint.
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#49
Il y a cent ans (Carrera)
Doig place un canoë et une figure dans un paysage qui semble venir d’un souvenir ou d’une image reproduite. Le temps de la peinture brouille la frontière entre scène vécue et vision mentale.
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#50
Sans titre (1982, Jiri Georg Dokoupil)
Dokoupil appartient à la génération allemande qui refuse toute signature stylistique stable. Ce Sans titre utilise la figure et la touche expressive comme une possibilité parmi d’autres, déjà traversée d’ironie.
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#51
Diropolis
Diropolis invente une ville peuplée de créatures et de signes issus de la bande dessinée. Di Rosa transforme la toile en monde autonome, foisonnant et accessible sans renoncer à la satire.
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#52
Mickey
Peint au tournant de 1979, Mickey détourne très tôt une icône mondiale de l’industrie culturelle. Combas la ramène à un geste brut, instable et personnel.
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#53
Le Bûcheron (Waldarbeiter)
Le bûcheron de Baselitz est retourné et traité comme une masse fragmentée. Le motif du travailleur allemand devient un problème pictural : identité et héroïsme se défont dans la matière.
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#54
Clinique Betty Ford (Betty Ford Klinik)
Kippenberger transforme le nom d’une clinique de désintoxication en emblème culturel. L’autoportrait indirect mêle provocation, humour et conscience de l’échec dans une peinture volontairement anti-héroïque.
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#55
Bon marché (Preisgünstig)
Good Price reprend le langage de la marchandise et de la bonne affaire. Kippenberger attaque l’aura du tableau en exposant sa circulation sociale et économique.
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Voir la notice de l’institution →Objets, corps, mots et récits urbains traversent la peinture américaine.
#56
Sans titre (1997, Albert Oehlen)
Oehlen combine sérigraphie, acrylique et huile pour empêcher l’image de se stabiliser. Son abstraction « mauvaise » utilise les collisions de techniques comme critique du bon goût pictural.
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#57
Sans titre (2019, Albert Oehlen)
Le Sans titre de 2019 montre la persistance de cette stratégie sur un support industriel. Oehlen laisse apparaître conflits, recouvrements et décisions contradictoires plutôt qu’une composition harmonieuse.
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#58
Le Vent (The Wind)
The Wind déploie l’émail en aérosol et la pâte à modeler sur une bâche. Schnabel traite le vent non comme un motif visible, mais comme une force capable de déplacer la surface.
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#59
Mélancolie bleue (Blue Funk)
Blue Funk associe la figure équestre de Rothenberg à une atmosphère plus sombre et fragmentée. Le cheval demeure un repère corporel, mais il est absorbé par la couleur et la mémoire.
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#60
Combat
Combat appartient aux premières confrontations monumentales de Golub. Les corps inspirés de l’Antiquité sont traités sans gloire ; la surface abrasive transforme la lutte en expérience physique.
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#61
Figure colossale (Colossal Figure)
Colossal Figure reprend l’échelle du monument public pour montrer un corps isolé et vulnérable. Golub conserve la puissance de la posture tout en détruisant l’illusion d’invincibilité.
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#62
Les Courtisanes (The Courtesans)
Les Courtisanes renvoient aux figures de l’Antiquité, mais leur monumentalité est inquiète. Le mélange de gouache et d’huile sur panneau donne à la peau une densité minérale.
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#63
Tête I (Head I)
Dans Head (I), la tête n’est pas un portrait psychologique : elle devient un fragment de corps soumis aux griffures du support. Golub fait de l’effacement un langage de violence.
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#64
Salut toi (Hey There)
Pensato peint une figure de dessin animé avec un émail noir gestuel. Hey There transforme une image comique en apparition agressive, entre rire, menace et effondrement.
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#65
Gasthof zur Muldentalsperre
Gasthof zur Muldentalsperre part d’une photographie ancienne d’un bâtiment allemand. Doig transforme cette source en lieu suspendu, où architecture, mémoire et couleur paraissent appartenir à des temps différents.
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#66
Couple au lit (Couple in Bed)
Guston représente le couple au lit avec des formes lourdes et volontairement maladroites. L’intimité devient à la fois tendre et étouffante, loin de l’héroïsme de l’expressionnisme abstrait.
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#67
Mauvais temps (Bad Times)
Bad Times marque le retour controversé de Guston à la figuration en 1970. Les objets, membres et personnages encagoulés donnent une forme grotesque à la violence politique et à la culpabilité.
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#68
Boîte rouge (Red Box)
La boîte rouge occupe l’espace comme un objet mental plus que domestique. Guston transforme les choses ordinaires en protagonistes muets d’un monde volontairement fermé.
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#69
Mer verte (Green Sea)
Dans Green Sea, têtes, chaussures et fragments émergent d’une étendue verdâtre. Le paysage devient un inventaire de signes personnels, simultanément comiques, profondément intimes et funèbres.
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#70
Rite
Rite appartient encore à la période abstraite de Guston. Les masses serrées et les touches épaisses annoncent toutefois le poids corporel de ses figures ultérieures.
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#71
Portrait II
Portrait II se situe au seuil du retour à la figure. Guston laisse une présence se former dans les empâtements, comme si l’abstraction commençait à produire un visage.
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#72
Sans titre (1981, Keith Haring)
Haring peint en 1981 un vocabulaire de silhouettes et de signes proche de ses interventions dans le métro. La toile conserve l’urgence publique du graffiti tout en devenant un champ pictural autonome.
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#73
Doux oubli (Sweet Oblivion)
Martin Wong donne aux murs, aux signes et aux rues du Lower East Side une densité de mémoire. Sweet Oblivion associe réalisme minutieux et atmosphère de disparition.
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Voir la notice de l’institution →Supports, citations, typographies et images médiatiques déplacent les limites du tableau.
#74
Sans titre (1983, David Wojnarowicz)
Wojnarowicz superpose pochoirs, collage et spray pour construire une ville mentale traversée de symboles. Le Sans titre de 1983 transforme la culture de rue en récit politique.
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#75
Agresseur homophobe / Chute d’Icare
Queer Basher/Icarus Falling confronte violence homophobe et chute mythologique. L’image personnelle devient accusation publique, peinte au moment où la crise du sida intensifie la marginalisation.
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#76
Baigneur / Nuit (Bather/Night)
Dunham reprend le nu baigneur comme un archétype grotesque. Les contours épais et l’anatomie volontairement impossible font de la tradition picturale un terrain de conflit comique.
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#77
Tête rouge (Red Head)
Dans Tête rouge, Fetting agrandit le visage jusqu’à en faire un champ de gestes colorés. L’identité individuelle se dissout dans l’urgence physique de la peinture.
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#78
Rotation verticale (Vertical Spin)
Rotation verticale organise le corps et le mouvement autour d’un axe instable. Rothenberg associe l’énergie du geste à une structure rigoureuse qui retient la figure.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#79
Mer noire (Black Sea)
Dans Mer noire, Guston transforme quelques formes roses, noires et grises en paysage mental. L’horizon marin devient une scène obscure de veille, d’attente et de doute.
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#80
Le Cerveau de Maggie (Maggie’s Brain)
Wool utilise l’émail sur aluminium pour donner au motif une froideur industrielle. Maggie’s Brain conserve pourtant les irrégularités du geste, opposant reproduction et accident.
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#81
Type B
Type B appartient aux premières peintures où Wool traite mots et motifs comme des structures autoritaires. La surface émaillée réduit l’expression tout en produisant une forte présence visuelle.
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#82
Problème (Trouble)
Trouble fait du mot lui-même une image, fragmentée et difficile à lire. Le langage publicitaire devient obstacle, et la lecture se transforme en expérience physique.
Image documentaire et notice : Art Institute of Chicago. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#83
Sans titre (2010, Christopher Wool)
Dans ce Sans titre tardif, Wool réintroduit coulures, effacements et reprises. La peinture semble lutter contre sa propre image, entre contrôle numérique et geste manuel.
Image documentaire et notice : Art Institute of Chicago. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#84
Naissance de la Grande Mère (Great Mother Birth)
Spero peint la Grande Mère donnant naissance comme une figure archaïque et violente. Réalisée en 1962, l’œuvre annonce les critiques féministes qu’elle développera contre les récits héroïques masculins.
Image documentaire et notice : Art Institute of Chicago. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#85
Le Rêve de la Vierge (The Virgin’s Dream)
The Virgin’s Dream associe peinture et dessin pour revisiter une figure religieuse depuis une sensibilité contemporaine. Steir transforme la tradition en espace de projection psychologique.
Image documentaire et notice : Art Institute of Chicago. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#86
Homme sous une pyramide (Man under a Pyramid)
Sous une pyramide, l’homme paraît minuscule face à une architecture funéraire. Kiefer associe le motif antique à la mémoire européenne et à la fragilité de l’individu.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#87
Palette
La palette est chez Kiefer un emblème ambivalent : outil de création, mais aussi signe de responsabilité historique. Clous, papier et gomme-laque la transforment en objet presque rituel.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#88
Parsifal III
Parsifal III prolonge le cycle des intérieurs vides inspirés de Wagner. La chambre familiale devient le lieu où mythe germanique, mémoire personnelle et histoire nationale se contaminent.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
Voir la notice de l’institution →Des mythologies de Kiefer aux héritiers contemporains de la peinture expressive.
#89
Urd, Verdandi et Skuld, les Nornes
Urd, Verdandi et Skuld sont les trois Nornes du passé, du présent et de l’avenir. Kiefer donne à leur mythe une matérialité lourde, faite d’huile, de fibres et de dépôts.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#90
Cette obscure clarté qui tombe des étoiles
Le titre emprunte à Corneille l’idée d’une lumière obscure tombant des étoiles. Terre, sable, verre, plomb et livres font du tableau un cosmos construit avec des matériaux terrestres.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#91
Satori à trois pouces de votre cœur
Salle déploie six toiles sur bois comme les panneaux discontinus d’une scène impossible. Le titre bouddhiste de satori promet une révélation que les images fragmentées refusent de livrer entièrement.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#92
Calme-toi dans un journal, diptyque
Calm Down in a Diary organise le diptyque comme deux pages contradictoires. Figures, objets et styles se répondent sans s’unifier, reproduisant le fonctionnement discontinu de la mémoire.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#93
Vestito/Vestitia
Vestito/Vestitia associe le vêtement à un corps absent ou transformé. Clemente utilise gouache et encre sur papier marouflé pour faire du costume une seconde peau symbolique.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#94
Où est le pot à lait jaune, Madame Bird ?
La question du pot à lait jaune paraît absurde, mais elle réintroduit le quotidien dans l’univers inversé de Baselitz. L’objet et la figure perdent leur évidence dès que l’orientation bascule.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#95
Vietnam II
Vietnam II poursuit la dénonciation monumentale de la guerre. Golub étale les corps sur une toile libre dont l’échelle oblige le spectateur à partager l’espace de la violence.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#96
Lucy
Lucy montre un visage féminin dilué par l’huile, entre apparition photographique et disparition. Dumas rend visible la fragilité de toute identité construite par l’image.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#97
Blanc de plomb (Lead White)
Lead White prend le nom d’un pigment historiquement toxique. Dumas relie la blancheur picturale à la peau, au pouvoir et à la contamination des catégories.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#98
La Nourrice, les petits ours et le croque-mitaine
Rego transforme la nursery en théâtre de peur, peuplé d’ours et d’un croque-mitaine. L’enfance n’est pas idéalisée : elle devient le lieu de rapports de force, de fantasmes et de récits transmis.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#99
Veste de ski (Ski Jacket)
Ski Jacket divise un paysage de neige sur deux toiles dont la couture reste visible. Doig travaille d’après une image photographique, mais la couleur transforme la scène en souvenir instable.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
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#100
La Dangereuse jeunesse et vieillesse de Lytton Strachey
Campbell peint la vie de Lytton Strachey comme un théâtre érudit et absurde. Les personnages semblent jouer plusieurs moments à la fois, mêlant biographie, fiction et satire de l’histoire culturelle.
Image documentaire et notice : Tate. Cette œuvre n’est pas proposée à la reproduction par Alpha Reproduction.
Voir la notice de l’institution →Méthode éditoriale
Un classement contrôlé œuvre par œuvre
Chaque entrée a été vérifiée selon son médium, sa date, son rôle dans le retour international à la peinture et la correspondance exacte entre titre, image et notice institutionnelle.
Un noyau historique précis
Le cœur du classement couvre la fin des années 1970 et les années 1980, avec les Neue Wilde, la Transavanguardia et la scène figurative américaine.
Des limites explicitement assumées
Guston apparaît comme précurseur ; Dumas, Doig, Wool ou Dunham montrent des prolongements, sans être artificiellement présentés comme membres d’une école unique.
Images documentaires
Aucune œuvre exacte n’existe dans la boutique Alpha Reproduction. Les 100 images ouvrent donc la notice du Centre Pompidou, de la Tate ou de l’Art Institute of Chicago et ne sont pas proposées à la reproduction.
Sources et liens
Musées, œuvres et repères historiques
Les fiches d’œuvres proviennent de trois collections publiques. Les essais du Guggenheim et du MoMA apportent le contexte historique nécessaire pour distinguer les scènes nationales et leurs filiations.
Repères historiques
01Guggenheim — The Revival of PaintingBaselitz, Kiefer, Chia, Clemente, Basquiat et le retour de la peinture dans les années 1980.02Guggenheim — Art since 1945Contexte du néo-expressionnisme allemand et de ses transformations.03MoMA — Baselitz, Lüpertz et la peinture allemandeCatalogue historique sur les nouveaux expressionnismes allemands.Questions fréquentes
Questions sur le néo-expressionnisme
Quelques repères pour comprendre le terme, ses artistes et les limites chronologiques du classement.
Qu’est-ce que le néo-expressionnisme ?
Le terme désigne un retour international à une peinture figurative, gestuelle et chargée de symboles autour de 1980. Il regroupe plusieurs scènes distinctes plutôt qu’un mouvement organisé.
Quels artistes sont au cœur du mouvement ?
Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Markus Lüpertz et Jörg Immendorff dominent la scène allemande ; Sandro Chia et Francesco Clemente incarnent la Transavanguardia ; Basquiat, Schnabel, Salle et Fischl comptent parmi les figures américaines majeures.
Pourquoi Philip Guston figure-t-il dans le classement ?
Son retour à une figuration rugueuse et autobiographique à la fin des années 1960 a précédé et profondément influencé le renouveau expressionniste des décennies suivantes.
Ces peintures sont-elles proposées en reproduction ?
Non. Les 100 entrées sont documentaires : chaque image et chaque bouton renvoient à la notice de l’institution qui conserve ou documente l’œuvre correspondante.
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