Top 100 - Japonisme
Japonisme: 100 beroemde schilderijen die het oog bewegen
Van Monet tot Cassatt, Van Gogh, Whistler, Manet en de Nabis: honderd schilderijen getransformeerd door omlijsting, vlakke vlakken en ritmes uit Japan.
In de 19e eeuw boden Japanse prenten, schermen, keramiek en textiel westerse schilders een andere manier om het oppervlak te organiseren. De dialoog begint met de collectie en het citaat, en verandert vervolgens blijvend het landschap, het portret en het moderne interieur.
Europa verplaatst zijn ezel
Honderd schilderijen, geen hinderlaagposter
Het japonisme ontwikkelde zich nadat Japan zich openstelde voor de internationale handel en de circulatie van prenten, voorwerpen, textiel, schermen en geïllustreerde boeken. Westerse schilders ontdekten asymmetrische composities, heldere vaste stoffen, flexibele lijnen, alledaagse onderwerpen en gesneden lijsten. Het academische perspectief, tot dan toe geïnstalleerd als een zeer zelfbewuste garderobe, wordt plotseling lichter.
Japanse prenten blijven de historische bron van de beweging, maar deze classificatie observeert alleen wat ze op internet hebben veroorzaakt. Graveren inspireert; het schilderij reageert, soms met een waaier die denkt dirigent te zijn.Schakel over naar afbeeldingen
De werken in de selectie
Werkt in beeld
Monet, Van Gogh, Whistler en Manet openen de reis met schilderijen waar Japan wordt geciteerd, verzameld of direct vertaald.
#1
Claude Monet1. De Japanners
Monet schildert Camille met een rode kimono voor een met ventilatoren bedekte muur. Het beeld, gepresenteerd in 1876, speelt met Japanse mode die toen Parijs bereikte, maar ook met zijn kunstgrepen: de blonde pruik en de theatrale pose tonen een vermomde Parijse vrouw in plaats van een portret van Japan. Het platte decor, het monumentale kostuum en het geborduurde samoerai silhouet transformeren het doek tot een opzettelijk dubbelzinnig schouwspel.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#2
Vincent van Gogh2. Pruimenboom in bloei, volgens Hiroshige
In 1887 kopieerde Van Gogh een afdruk uit Hiroshige's Hundred Views of Edo-serie. Het vergroot de pruimenboom, versterkt de rode en groene tinten en omringt het beeld met een rand bedekt met Japanse tekens die uit andere bronnen zijn geleend. De oefening is niet slaafs: het leert hem een landschap op te bouwen in vlakke gebieden, contouren en diagonalen, zonder afhankelijk te zijn van het westerse perspectief.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#3
Vincent van Gogh3. Brug in de regen, volgens Hiroshige
Deze andere Hiroshige-cover komt van de plotselinge stortbui op de Shin-Ohashi-brug. Van Gogh behoudt de diagonaal van de brug, de gehaaste silhouetten en de lange regenlijnen en duwt vervolgens de contrasten totdat de storm bijna elektrisch is. Door de prent te vertalen naar olieverfschilderij transformeert hij een Japanse kaderles in een laboratorium voor zijn eigen kleur.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#4
Vincent van Gogh4. Portret van pater Tanguy
Kleurenhandelaar Julien Tanguy poseert voor een muur die verzadigd is met Japanse prenten. Van Gogh gebruikt ze niet als exotische accessoires: ze vormen de mentale ruimte van het model, steun van jonge kunstenaars en verkoper van ukiyo-e bladeren. De frontaliteit, de vlakke vlakken en de overvloed aan achtergrond zeggen hoezeer de schilder Japan vervolgens associeert met een lichter, directer en broederlijker schilderij.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#5
Édouard Manet5. Emile Zola
Achter Zola plaatst Manet een reproductie van Olympia, een Velazquez en een prent van Utagawa Kuniaki II. Dit kleine persoonlijke museum vat de loyaliteit samen van de schrijver die Manet verdedigde: Spanje, de Parijse moderniteit en de ontdekking van het Japanse beeld. Het scherm, de inktpot en de gedrukte vellen construeren door middel van afbeeldingen minder een realistisch kantoor dan een intellectueel portret.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#6
James Abbott McNeill Whistler6. De prinses van het land van porselein
Whistler beeldt Christine Spartali af in een interieurjurk, voor een scherm en Oost-Aziatische voorwerpen. Het model belichaamt geen echte prinses: het behoort tot een esthetische mijmering waar verticaal silhouet, ingetogen kleuren en ondiepe ruimte meer tellen dan het verhaal. Vervolgens werd het canvas geïnstalleerd in de Peacock Room en werd het een van de emblemen van de esthetische beweging, gevoed door het japonisme.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#7
James Abbott McNeill Whistler7. Caprice in paars en goud: het gouden scherm
Een vrouw in een kimono onderzoekt een print voor een gouden scherm, omgeven door keramiek en stoffen. Whistler organiseert deze overvloed als een harmonie van paars, goud en roos in plaats van als een etnografische inventaris. De spiegel, panelen en schuine weergave fragmenteren de ruimte; Japanse kunst biedt hem hier een manier om verhalende diepte te vervangen door decoratieve balans.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#8
Édouard Manet8. De dame met de fans
Manet schildert Nina de Callias liggend tussen waaiers, blauwe stof en bloemendecoratie. Japanse objecten dringen de ruimte binnen zonder een eenvoudige catalogus te worden: ze accentueren het onafhankelijke karakter van het model, de muzikant en de figuur van de Parijse bohemen. De niet-gecentreerde pose, de grote heldere leegte en de waaierwand geven het portret een ritme dat breekt met het traditionele spektakel.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#9
Vincent van Gogh9. De Courtesan (naar Eisen)
Van Gogh schildert De courtisane (naar Eisen) in 1887 naar een afbeelding van de Japanse kunstenaar Keisai Eisen. Hij vergroot de figuur in een kimono en omringt deze met een versiering van water, bamboe en vogels die zijn geleend van andere prenten. Deze combinatie van motieven laat zien hoe hij leert door te kopiëren voordat hij zijn eigen taal uitvindt. Het origineel wordt bewaard op Van Gogh Museum in Amsterdam.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#10
Claude Monet10. De Japanse brug
De Giverny-brug neemt de bocht in van een kleine brug gebouwd door Monet in zijn watertuin, zelf geïnspireerd door de tuinen en prenten van Japan. Een geïmporteerd motief kopieert de kunstenaar niet meer: hij creëert een echt landschap om het onvermoeibaar te schilderen. De boog snijdt de verticalen van de wilgen door, terwijl het oppervlak van de vijver geleidelijk het verschil tussen reflectie, plant en kleur verkleint.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#11
Claude Monet11. Het waterleliesbekken, groene harmonie
In deze visie uit 1899 is de brug niet langer het enige onderwerp: de waterlelies en hun reflecties organiseren een vrijwel doorlopend groen oppervlak. Het diepe perspectief en het gebrek aan horizon doen denken aan de printframing die Monet bevrijdde van de klassieke constructie. Japonisme wordt hier een duurzame manier van kijken, geïntegreerd in de tuin, de serie en het werk van kleur.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#12
James Abbott McNeill Whistler12. Nocturne in blauw en goud
Whistler heft de oude Battersea Bridge op als een grote donkere boog voor een blauwe Theems, onderbroken door lichten en een raket. De verticale omlijsting en silhouetten op het dek roepen Hiroshige's uitzicht op Edo op zonder ze letterlijk te imiteren. Londen wordt een nachtelijke scène gemaakt van mist, reserve en borden, waarbij de sfeer belangrijker is dan de exacte topografie.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#13
Maria Cassatt13. De bootpartij
Cassatt plaatst een vrouw, een kind en een roeier in een boot die van bovenaf gezien wordt, met een zeil dat abrupt door de achtergrond snijdt. De compositie heeft veel te danken aan de Japanse prenten die ze na de tentoonstelling van 1890 bestudeerde: close figures, comprimed space, clear diagonals en bijna geen horizon. Het familietafereel krijgt zo een moderne monumentaliteit zonder academische pose.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#14
James Abbott McNeill Whistler14. Symfonie in het wit, n° 2: Het kleine witte meisje
Whistler reduceert het portret van Joanna Hiffernan tot een harmonie van blanken, bruin en rozen, terwijl een Japanse waaier een schuin accent introduceert. De haard, spiegel - en profielinstallatie creëren een stille ruimte zonder intriges. Door het doek "symfonie" te noemen, bevestigt de kunstenaar een centraal idee van esthetiek: schilderen kan worden georganiseerd als muziek en decor.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#15
James Abbott McNeill Whistler15. Symfonie in wit nr. 1: Het witte meisje
Het Witte Meisje toont Joanna Hiffernan staande voor een licht gordijn, met rood haar en berenhuid die de harmonie verstoort. Het is geschilderd vóór de volledige Japanse mode en kondigt de esthetiek van Whistler aan door zijn weigering van het verhaal en zijn aandacht voor waarden. Het belang ervan ligt daarom in de overgang naar een schilderij dat als een arrangement wordt gezien.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#16
James Abbott McNeill Whistler16. Variaties in vleeskleur en groen - Het balkon
Onder een luifel observeren vrouwen in kimono's het water vanaf een balkon. Whistler gebruikt een uitgerekt horizontaal formaat en verdeelt de figuren als kleurrijke accenten in plaats van als de heldinnen van een verhaal. Het schilderij getuigt van een nog imaginair japonisme, maar de hangende ruimte en de smaak voor tonale relaties kondigen de meest radicaal decoratieve composities aan.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#17
James Abbott McNeill Whistler17. paars en roze: de Lange Leizen van Six Marques
De "Lange Leizen" duiden Chinees porselein aan met slanke karakters, hier beschouwd in een paars-roze opstelling. Zelfs als de objecten niet Japans zijn, behoort het canvas tot dezelfde omwenteling van de westerse smaak voor Aziatische kunst. Whistler gebruikt het vooral om een harmonie op te bouwen waarbij verzameling, kleur en houding onafscheidelijk worden.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#18
Édouard Manet18. Het balkon
Manet plaatst drie figuren achter een groene balustrade, afgesneden van de toeschouwer als de acteurs van een vastgelegd moment. De waaier van Berthe Morisot, de verticaliteit van de staven en de abrupte omlijsting worden vaak vergeleken met Japanse prenten. Het schilderij stelt Japan niet voor; het laat zien hoe een nieuwe visuele grammatica een Parijse balkon vreemd en modern kan maken.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#19
Paul Gauguin19. Visie na de preek
Gauguin scheidt de Bretons van het bijbelse gevecht door een rode stam die het canvas diagonaal kruist. De diepteloze ruimte, het grote vermiljoengedeelte en de omsingelde silhouetten hebben zowel veel te danken aan Japanse prenten als aan glas-in-loodramen en volkskunst. Door het naturalisme los te laten, schildert hij een collectieve visie: het mentale beeld van de preek in plaats van het geobserveerde tafereel.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#20
Paul Sérusier20. De Talisman
Sérusier schildert het landschap van Bois d'Amour onder leiding van Gauguin, waarbij hij bijna pure kleuren toepast volgens zijn sensatie. De bomen en de rivier worden autonome banden en vlekken; de les van Japanse prenten hier sluit aan bij die van de Bretonse synthese. Deze kleine studie, bewaard als een talisman door de Nabis, markeert een beslissende verschuiving naar het moderne oppervlak.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#21
Gustav Klimt21. Portret van Adèle Bloch-Bauer I
In dit in 1907 voltooide portret plaatst Klimt Adèle Bloch-Bauer midden in een netwerk van gouden, zilveren en geometrische patronen dat haar jurk en fauteuil lijkt te absorberen. Het gezicht en de handen blijven de meest belichaamde punten van het beeld. La Neue Gallery new York verbindt dit kostbare oppervlak met de Byzantijnse mozaïeken die Klimt in Ravenna had bewonderd. De dialoog met Aziatische kunst behoort tot de decoratieve context van het moderne Wenen, zonder deze belangrijke bron uit te wissen.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#22
Gustav Klimt22. De kus
Geschilderd rond 1907 -1909 en bewaard in Belvedere uit Wenen, The Kiss brengt twee figuren samen die verstrengeld zijn aan de rand van een bloemrijke weide. Lichamen gaan over in kleding met patronen, terwijl echt goud vierkant canvas tot een waardevol oppervlak maakt. Het japonisme is hier onder meer één invloed: het museum belicht ook de rol van Byzantijnse mozaïeken en middeleeuwse gouden achtergronden in Klimts schilderij.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#23
Vincent van Gogh23. Amandelboom in bloei
De amandelboom, geschilderd voor de geboorte van zijn neef, spreidt zijn takken uit tegen een bijna diepgangloze turquoise lucht. Van Gogh denkt expliciet aan Japanse prenten: scherpe contouren, takken die door de lijst worden gesneden en bloemen die als borden zijn gerangschikt. Het lentemotief wordt ook een beginbeeld, lichtgevend en persoonlijk na de moeilijke maanden Saint-Rémy.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#24
Vincent van Gogh24. Sterrennacht op de Rhône
Van Gogh schildert de nachtelijke Rhône in banden van blauwe, gele reflecties en kleine silhouetten op de voorgrond. Japanse prenten hadden hem aangemoedigd de massa te vereenvoudigen en kleuren expressieve autonomie te geven. De sterrenhemel is echter geen citaat: het vloeit voort uit zijn Arlesiaanse ervaring en zijn verlangen om de nacht rechtstreeks te schilderen, zonder deze tot zwart te reduceren.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#25
Edgar Degas25. De dansles
Degas omlijst de danszaal zijwaarts, vermenigvuldigt de gesneden figuren en laat een enorme vloer het oog leiden. Zijn verzameling Japanse prenten hielp hem deze onevenwichtigheden te zien als vruchtbare keuzes in plaats van als fouten. De herhaling van poses en het laterale gezichtspunt maken de les tot een wereld van waargenomen gebaren, ver weg van de centrale academische scene.
Bestel een reproductie van dit schilderij →Waterlelies, bloeiende bomen, paraplu's en landschappen laten zien hoe omlijsting, leegte en kleur de westerse natuur transformeren.
#26
Maurice Denis26. De Muzen
Denis plaatst negen vrouwen in kastanjehout waar verticale stammen de ruimte als panelen van een scherm uitsnijden. De jurken, de herhaalde silhouetten en het gereduceerde perspectief transformeren de tuin in een mentale setting. Japanse invloed vermengt zich met oude schilderkunst en Nabi-denken: het beeld is in de eerste plaats een geordend oppervlak en ritme van kleuren.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#27
Paul Gauguin27. La Belle Angèle
Gauguin schilderde Marie-Angélique Satre, bijgenaamd "la Belle Angèle", in 1889, in een compositie die haar portret scheidt van een beeldje en een decoratieve achtergrond. De vereenvoudigde contouren en de afgeplatte ruimte brengen het werk dichter bij het synthesistische onderzoek van Pont-Aven; het spel van vormen telt evenzeer als de gelijkenis. The orsay Museum bewaart dit schilderij, voorheen verworven door Degas.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#28
Édouard Vuillard28. Openbare tuinen: het gesprek, de verpleegsters, de rode paraplu
Gemaakt in 1894 voor de eetkamer van Alexandre Natanson, Openbare tuinen de Vuillard combineert hier drie panelen: De Nannies, The Conversation en De Rode Paraplu. Vrouwen, kinderen, bomen en banken zijn verdeeld in decoratieve gebieden die het oog verbindt van het ene paneel met het andere. De compositie laat zien hoe de Nabi-taal een tuinscène omzet in wanddecor; DE orsay Museum alle drie de delen ingeblikt.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#29
Pierre Bonnard29. Het geruite lijfje
Bonnard tekent een vrouw in een rasterjurk die zo aanwezig is dat het de architectuur van het schilderij lijkt te worden. De vlakke vlakken, het verticale formaat en de smaak voor het patroon komen voort uit zijn bewondering voor prenten, wat hem de bijnaam "zeer Japanse Nabi" opleverde. Kleding kleedt niet alleen het lichaam: het transformeert de figuur in een decoratief ritme.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#30
Pierre Bonnard30. De witte kat
Bonnard strekt de kat uit tot het punt van absurditeit, gebogen rug en onevenredige benen, in een silhouet dat ter plekke lijkt te zijn gevangen. De smaak voor dierenprints, korte gebaren en expressieve contouren voedt deze humoristische uitvinding. Vervorming is geen onhandigheid: het brengt beweging en karakter beter over dan volgzame anatomie.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#31
Pierre Bonnard31. De badjas
Bonnard gebruikt een zeer verticaal formaat, dicht bij de kakemono, om het badjassilhouet langs het oppervlak te verlagen. De kleding, meer dan het gezicht, geeft het schilderij zijn architectuur. Deze transformatie van het lichaam in een motief illustreert direct zijn bijnaam Japanse Nabi: kadrering, vlakke gebieden en decor vertellen meer dan de gelijkenis.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#32
Henri Matisse32. Goudvis
Matisse plaatst de vis in een pot waarrond tafel, planten en meubels een opzettelijk onstabiele ruimte vormen. Het vogelperspectief en de autonome kleuren hebben veel te danken aan de decoratieve revolutie die door het japonisme werd voorbereid. Het goudvismotief roept ook Azië op, maar het belangrijkste is elders: elk schot kan veranderen terwijl het leesbaar blijft.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#33
Henri Matisse33. De rode trolley
De rode eetkamer absorbeert tafel, muur en landschap in hetzelfde gekleurde tafelkleed versierd met blauwe arabesken. Matisse schaft diepte af zoals de Nabis voor hem, erfgenamen van de Japanse blik op het oppervlak. Het raam opent niet echt meer een tweede ruimte: de tuin en het interieur dragen bij aan één decor, vrolijk en rigoureus opgebouwd.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#34
Gustav Klimt34. Judith I
Klimt beeldt Judith af in een strakke lijst, haar gezicht extatisch over een gouden ketting en een afgeplat decor. Byzantijnse mozaïeken domineren vaak de analyse, maar de asymmetrie, snit en smaak van de patronen zijn ook te danken aan het Weense Japanse klimaat. Het bijbelverhaal wordt een sensueel icoon waarbij het decoratieve oppervlak wedijvert met het lichaam.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#35
Gustav Klimt35. Portret van Fritza Riedler
Fritza Riedler zit in een lichte jurk voor een geometrische achtergrond die de gouden periode van Klimt aankondigt. De fauteuil, vierkanten en ornamenten maken de ruimte plat als een textiel. Japanse voorwerpen verzameld in Wenen en een voorliefde voor toegepaste kunst dragen bij aan dit klimaat waarin het portret niet langer gescheiden is van het decor.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#36
Gustav Klimt36. Danae
Klimt sluit Danae op in een vierkant formaat, gevouwen lichaam, rood haar en gouden regen. De oude mythe wordt een concentratie van rondingen, patronen en kostbare oppervlakken. Het japonisme is niet iconografisch, maar neemt deel aan de afvlakking en radicale omlijsting die een verhalende scène transformeert in een bijna abstract sensueel beeld.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#37
Paul Gauguin37. Manaolo tupapaú
Gauguin beeldt Teha'amana af liggend met haar ogen open, terwijl een donkere figuur de geest van de doden belichaamt. De afgeplatte ruimte, het profiel en de aparte kleuren gaan in dialoog met Japanse prenten, maar ook met Polynesische bronnen die door de verbeelding van de schilder zijn herwerkt. Het doek is juist cruciaal omdat het deze combinatie van fascinatie, vindingrijkheid en koloniale blik onthult.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#38
Paul Gauguin38. Arearea geen varua ino
Arearea geen varua ino is een Tahitiaans werk van Gauguin uit 1894 en bewaard in de Ny Carlsberg Glyptotek van Kopenhagen. De titel roept het vermaak van een boze geest op; vereenvoudigde vormen en kleuren creëren een raadselachtige scène in plaats van een transparant verhaal. De relatie tot het japonisme betreft het oppervlak en de omlijsting, maar het onderwerp behoort ook tot de denkbeeldige constructies en de koloniale context van de kunstenaar.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#39
Paul Gauguin39. Nave Nave Mahana
De Tahitiaanse vrouwen van Nave Nave Mahana zijn uitgelijnd in een landschap dat illusionistische diepgang verwerpt. Gauguin combineert fries, willekeurige kleuren en omsingelde silhouetten, zowel in dialoog met de prenten als met de oude reliëfs. De scène claimt tijdloze harmonie, maar neemt ook de koloniale blik van de schilder over; deze spanning maakt deel uit van zijn geschiedenis.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#40
Paul Gauguin40. Thee aa geen areois
Gauguin-groep Tahitiaanse vrouwen in een landschap opgebouwd uit silhouetten, vlakke gebieden en grote gekleurde intervallen. De Maori-titel geeft het beeld een lokaal anker, maar de compositie blijft een synthese ontwikkeld door een Europese schilder. Het japonisme neemt deel aan de vereenvoudiging van de ruimte; het mag echter geen Polynesische bronnen of de koloniale situatie van het werk maskeren.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#41
Henri Matisse41. Odalisque, rode harmonie
Matisse omhult de odalisque met rode stoffen, patronen en decoratieve vlakken die de scheiding tussen lichaam en interieur verkleinen. Het japonisme handelt hier op afstand, overgebracht door de moderniteit van Gauguin, Van Gogh en de Nabis: oppervlak, kleur en ornament weigeren de academische hiërarchie. Het oriëntalistische onderwerp blijft echter verschillend van de Japanse cultuur en mag er niet mee worden verward.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#42
Raoul Dufy42. Posters in Trouville
Dufy combineert wandelaars, gevels en posters op het strand van Trouville, waardoor gedrukte brieven een picturale rol krijgen. De Japanse smaak voor stedelijke beelden en de circulatie tussen tekst en figuur sluit hier aan bij de moderne ervaring van reclame. De vlakke gebieden en kleurrijke borden maken het resort eerder een bruisende oppervlakte dan een rustige diepte.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#43
Raoul Dufy43. Regatta's
Dufy reduceert zeilen, zee en drukte tot kleurrijke borden die met een bijna kalligrafische lichtheid worden verspreid. Japanse haven- en reisafdrukken bereidden deze manier van condensatie van activiteit voor zonder de ruimte te overbelasten. De regatta wordt een visueel feest waarbij het wit links tussen de vormen net zo telt als de toegepaste kleuren.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#44
James Tissot44. De Japanse vrouw in bad
Tissot toont een vrouw in een kimono in een westers interieur vol Japanse voorwerpen. Het schilderij behoort tot het verzamel - en kostuumjaponisme van de jaren 1860, verleid door de nieuwigheid van textiel en accessoires. De briljante precisie documenteert deze mode en onthult tegelijkertijd de afstand tussen een droom-Japan in Parijs en de cultuur waaruit deze objecten voortkomen.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#45
Henri Matisse45. De Japanse vrouw aan de waterkant
Matisse vertegenwoordigt een zogenaamde Japanse vrouw in de buurt van water, een onderwerp dat wordt gekenmerkt door de westerse smaak voor kostuums en elders. Het doek moet met voorzichtigheid worden gelezen: het Japanse label geeft evenveel informatie over de Europese verbeelding als over het model. Framing, kleur en vereenvoudiging zijn belangrijker dan welke documentaire claim over Japan dan ook.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#46
Alfred Stevens46. De Japanse Parijzenaar
Alfred Stevens beeldt een elegante Europese vrouw af omringd door een kimono, een scherm en Japanse voorwerpen. Het tafereel behoort tot de eerste Parijse mode voor het japonisme, toen Japan nog vaak wordt voorgesteld door middel van geïmporteerde goederen. De verfijning van het textiel en de dromerige pose onthullen evenzeer het westerse verlangen naar een verandering van omgeving als de geboorte van een nieuw decoratief interieur.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#47
Vincent van Gogh47. Iris
Van Gogh isoleert de irissen uit het gesticht Saint-Rémy en omlijst ze zo dicht mogelijk, zonder horizon of hemel. De bloemen die door de randen worden gesneden en het netwerk van bladeren herinneren aan de decoratieve plantkunde van Japanse prenten. De dikke toets en intense kleur blijven echter volledig van hem: hij transformeert een kaderles in fysieke aanwezigheid.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#48
Vincent van Gogh48. Kastanjetakken in bloei
In Saint-Rémy schildert Van Gogh de bloeiende takken als een netwerk dat bijna het hele frame doorkruist. De close cut en aandacht voor plantenritmes breiden zijn studie van Japanse prenten uit. Maar impasto en penseelstreken doen de bladeren fysiek trillen: de aangeleerde lijn van ukiyo-e wordt omgezet in westerse materie.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#49
Vincent van Gogh49. De Alyscamps
Bij Alyscamps convergeert Van Gogh het pad, de stammen en oude sarcofagen naar verre silhouetten. De warme contouren en kleuren vereenvoudigen de Arlesiaanse herfst enorm. Japanse invloed werkt in de diagonale constructie en openhartigheid van de vliegtuigen, terwijl de begraafplaats op tijd westerse meditatie toevoegt.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#50
Vincent van Gogh50. Boomgaard in bloei
Van Gogh transformeert de boomgaard in bloemen in een netwerk van stammen, takken en lichte accenten, onder een bijna verenigde hemel. Japanse prenten helpen hem bomen te isoleren en takken aan het frame te snijden. In Arles zag hij in deze bloei een zuidelijk equivalent van de droom Japan, maar het licht en de materie komen voort uit zijn directe observatie.
Bestel een reproductie van dit schilderij →Morisot, Degas, Tissot, Stevens en hun dierbaren verleggen de blik naar dagelijkse gebaren, weefsels en asymmetrische ruimtes.
#51
Vincent van Gogh51. De zaaier II
De zaaier beweegt zich voort voor een grote gele zon, terwijl het veld en de lucht het canvas in krachtige diagonalen delen. Van Gogh neemt een Millet-motief, maar vindt het opnieuw uit met kleuren en constructie gevoed door de prints. Gedroomd Japan en de Franse boerentraditie ontmoeten elkaar dus in een geheel persoonlijk Arlesiaans beeld.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#52
Emile Bernard52. Twee Bretonse vrouwen in een weiland
Bernard vereenvoudigt de Bretonse vrouwen tot omsingelde profielen, witte hoofdtooien en massa's kleur die op de weide worden geplaatst. Samen met Gauguin zocht hij een synthetisch schilderij, bevrijd van naturalistische modellen; Japanse prenten bevestigen de kracht van de effen kleuren en sneden. De figuren worden bijna tekens, maar blijven gehecht aan de observatie van een lokale cultuur die de kunstenaar idealiseert.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#53
Emile Bernard53. De Bretons met paraplu's
De Bretonse vrouwen vormen een fries van hoofdtooien, parasols en jurken, gerangschikt in grote kleurvlakken. Bernard transformeert de regionale scene in synthetische compositie, ver van modellering en academisch perspectief. Japanse prenten ondersteunen deze middeleneconomie, terwijl het onderwerp de fin-de-siecle-smaak onthult voor een Bretagne die wordt gezien als bewaard gebleven van de moderniteit.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#54
Emile Bernard54. De oogst
Geschilderd 1888, De Oogst van Émile Bernard vertegenwoordigt werk in een Bretons veld. Figuren en kleurvlakken brengen de scène terug naar een ritme van vormen in plaats van een eenvoudig beschrijvend landschap. Het Musée d'Orsay bewaart deze olieverf op doek onder nummer RF 1977 42. Mededeling van het Musée d'Orsay.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#55
Paul Sérusier55. Laita-ringen
In Laïta Washers (1892), Paul Sérusier toont vrouwen aan het werk in de buurt van Pouldu, Bretagne. De oevers, velden en silhouetten zijn geordend in grote gekleurde vlakken: deze vereenvoudiging koppelt het werk aan het synthetisch onderzoek van de Nabis. Deze olieverf op doek van 73,2 × 92,2 cm wordt bewaard in het Musée d'Orsay onder nummer RF 1981 8. Mededeling van het Musée d'Orsay.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#56
Emile Bernard56. Madeleine in Bois d'Amour
In 1888 schilderde Émile Bernard zijn zus Madeleine, zeventien jaar oud, liggend in het Bois d'Amour bij Pont-Aven. De jonge vrouw bezet de voorgrond terwijl de rivier en de bomen een landschap vormen dat wordt behandeld met nog een licht en nog een aanraking. Het Musée d'Orsay beschrijft deze discrepantie als een van de symbolische bronnen van het schilderij. Mededeling van het Musée d'Orsay.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#57
Maurice Denis57. Katholiek mysterie
Denis behandelt de Annunciatie als een afgeplat huiselijk tafereel, opgebouwd uit profielen, vlakke vlakken en symbolische kleuren. De omtrek en eenvoud van de plannen maken deel uit van het Nabi-partitionisme, gevoed door Gauguin en de prenten. Het japonisme wist het katholicisme van de kunstenaar niet uit: het verschaft hem een moderne taal om het mysterie zichtbaar te maken zonder theatrale illusie.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#58
Maurice Denis58. Witte zon op de tarwe
Denis reduceert het tarweveld, de zon en de silhouetten tot een reeks lichte banden. De titel beschrijft nog steeds een landschap, maar het schilderij functioneert al als een overeenkomst van vormen. Japanse prenten, synthetisme en het nabi-idee van een geordend oppervlak komen hier samen om kleur los te maken van de strikte imitatie van het buitenleven.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#59
Maurice Denis59. Septemberavond
Denis bouwt 's avonds door silhouetten, verticale bomen en gekleurde banden in plaats van door sfeervol licht. Deze vereenvoudiging komt voort uit synthetisme en de Nabi-blik, beide gevoed door Japanse prenten. Het landschap blijft herkenbaar, maar de tijd ervan wordt vooral een decoratieve, bijna muzikale harmonie tussen lucht, grond en figuren.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#60
Édouard Vuillard60. Interieur Moeder en zuster van de kunstenaar
Vuillard schildert zijn moeder en zus in een interieur waar jurk, behang en meubels bijna op elkaar aansluiten. Deze oplossing van diepte komt voort uit zijn nabi-look naar decoratieve oppervlakken, gevoed door Japanse prenten. Het dagelijks gezinsleven wordt een netwerk van motieven; de moeilijkheid om de figuren te onderscheiden weerspiegelt ook de stille spanning van de scène.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#61
Édouard Vuillard61. In bed
Vuillard toont een figuur die in een kamer ligt waarvan het behang, dekens en gordijnen het lichaam bijna absorberen. De nauwe omlijsting en het verzadigde oppervlak herinneren ons eraan hoe de Nabis het recht van prints behield om klassieke ademhaling te elimineren. De intieme scène wordt een continu patroon, kalm van uiterlijk maar vreemd dicht.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#62
Pierre Bonnard62. Het kind op de strandloper
Bonnard observeert een kind dat vanuit een iets verhoogd gezichtspunt in het zand speelt. Het silhouet, de emmer en het terrein zijn als borden op een licht oppervlak verdeeld, met deze grafische eenvoud die het zijn Japanse bijnaam opleverde. Dagelijks spel vervangt het grote onderwerp; de omlijsting is voldoende om het ritme en poëzie te geven.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#63
Édouard Vuillard63. Het gewaad met takken
Vuillard maakt van de bloemenjurk een gebied dat bijna net zo uitgestrekt en actief is als het personage. Behang, textiel en body's reageren zonder hiërarchie op elkaar, volgens een decoratieve logica gevoed door prints. De identiteit van het model doet er minder toe dan de aanwezigheid ervan in een wereld van patronen: het huiselijke interieur wordt het echte tafereel van het schilderij.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#64
Édouard Vuillard64. Op de Salon van de Natansons in Villeneuve-sur-Yonne
Vuillard observeert de woonkamer van Natansons als een ruimte voor gesprekken, gescheiden door meubels, stoffen en silhouetten. Mensen poseren niet; ze worden genomen in de intervallen van de setting. De Japanse prentkunst, overgedragen door Nabi-gevoeligheid, maakt die sneden en onstabiele diepgang mogelijk die de moderne gezelligheid waarachtiger maken dan een officieel groepsportret.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#65
Édouard Vuillard65. De tabel
Vuillard transformeert een huiselijke tafel in een focus van compositie, omgeven door patronen, objecten en figuren die gedeeltelijk van binnenuit zijn geabsorbeerd. Het hoge gezichtspunt en de geringe diepte hebben veel te danken aan de nabi-look op de prints. Niets is monumentaal, maar alles neemt een actieve plaats in in het ritme van het dagelijks leven.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#66
Edgar Degas66. De Foyer de la danse in de Opera aan de rue Le Peletier
Degas toont de dansfocus met een schuin gezichtspunt, figuren verdeeld in kleine gaten en een deur die een tweede veld opent. Deze weigering van een gecentreerde scène heeft veel te danken aan Japanse prenten. De Opera wordt vóór de show geobserveerd in zijn werkruimtes: oefeningen, wachten en architectuur vormen de ware moderniteit van het schilderij.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#67
Edgar Degas67. De dansles
Degas strekt de danszaal horizontaal uit, laat grote holtes achter en snijdt verschillende lichamen aan de randen. Japanse prenten hadden hem vertrouwd gemaakt met deze lijsten, die toevallig lijken terwijl ze rigoureus georganiseerd zijn. De les wordt eerder een studie van herhaalde beweging, vermoeidheid en discipline dan een sierlijk spektakel.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#68
Edgar Degas68. Dansles
In deze dansles worden de ballerina's in kleine groepen verdeeld, waargenomen vanuit een laterale hoek die symmetrie weigert. Degas gebruikt de vloer als groot lichtvlak en de figuren als accenten. De Japanse invloed is te zien in deze niet-gecentreerde constructie, maar ook in de aandacht voor tussenliggende gebaren in plaats van een perfecte pose.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#69
Berthe Morisot69. Vrouw en kind op het balkon
Morisot plaatst een vrouw en een kind voor een balustrade die openstaat naar Parijs. De omlijsting snijdt door de architectuur, brengt de figuren samen en laat de stad in de verte zweven, een vrijheid die verenigbaar is met zijn aandacht voor Japanse prenten. Het familietafereel zit niet binnenin opgesloten: het staat op de drempel van de stedelijke moderniteit, tussen intimiteit en spektakel.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#70
Berthe Morisot70. Zomerdag
Twee vrouwen zitten in een boot, van dichtbij gezien en iets van bovenaf. Morisot vermijdt het panorama en concentreert het beeld op de gebaren, de jurken en het water dat bijna de hele achtergrond beslaat. Deze gedurfde snit sluit aan bij de les van Japanse prenten: een moderne scène kan aan intensiteit winnen als je alles opgeeft.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#71
Berthe Morisot71. Vlinderjacht
Morisot vangt de vlinderjacht als een korte actie, verspreid in de vegetatie. Figuren domineren de tuin niet; ze verschijnen daar in fragmenten van kleding en snelle gebaren. De open kader en de prioriteit die aan dit moment wordt gegeven, sluiten zich aan bij ukiyo-e, deze ‘kunst van de zwevende wereld’ die de impressionisten de poëzie van het dagelijks leven had laten zien.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#72
Berthe Morisot72. Aan het bal
Morisot pakt een jonge vrouw in avondkleding met een snelle aanraking en een inlijsting die de pose lijkt te onderbreken. De Japanse invloed is indirect: ze is te herkennen aan de smaak voor het moment, de afgehakte figuren en de opengelaten gebieden. De kunstenaar transformeert zo de wereldse wereld in een mobiele visuele ervaring in plaats van een officieel portret.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#73
Berthe Morisot73. Lezen
Geschilderd 1873, Reading toont Edma, de zus van Berthe Morisot, zittend in het gras met een blauw boek. De witte jurk, de hoed gesluierd in groen en de roze deken gaan over in snelle accenten die licht naar buiten brengen. The Kunstmuseum van Cleveland bewaart dit schilderij gepresenteerd op de eerste impressionistische tentoonstelling van 1874. De open omlijsting verlicht Morisots interesse in gewone momenten.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#74
Pierre-Auguste Renoir74. Jonge vrouw met een sluier
Renoir vestigt de aandacht op het gezicht dat gedeeltelijk wordt gefilterd door een sluier, een accessoire dat de contouren en het licht fragmenteert. Het verband met het japonisme is te danken aan de intieme omlijsting en het belang dat wordt gehecht aan een dagelijkse textuur. De schilderkunst blijft niettemin verankerd in zijn zoektocht naar modellering en vlees, meer westers dan de vlakke gebieden van zijn Nabis-tijdgenoten.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#75
Pierre-Auguste Renoir75. De E-reader
Renoir brengt het gezicht en het boek samen tot hij het lezen tot een bijna privé moment maakt. De strakke omlijsting en de figuur die in zijn activiteit wordt opgenomen, kunnen in dialoog gaan met de manier waarop de prenten gewone gebaren vastleggen zonder ze in een groots verhaal te transformeren. De link met het japonisme blijft eerder formeel dan iconografisch: intimiteit, snit en oppervlak hebben voorrang op anekdote.
Bestel een reproductie van dit schilderij →Gauguin, Sérusier, Bonnard, Vuillard, Denis en Matisse verlengen de vlakke gebieden en het decoratieve oppervlak zonder het schilderveld te verlaten.
#76
Pierre-Auguste Renoir76. Mevrouw Charpentier en haar kinderen
Renoir schildert de vrouw van de uitgever Georges Charpentier en haar kinderen in een interieur beladen met tapijten, schermen en voorwerpen uit Azië. Het decor getuigt direct van de Japanse smaak van de Parijse elites. De compositie blijft echter die van een groot wereldlijk portret: het japonisme handelt vooral in de materiële omgeving en in de rijkdom van de oppervlakken.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#77
Louis Anquetin77. Avenue de Clichy, vijf uur 's avonds
Anquetin vertegenwoordigt de Parijse straat door donkere contouren, vlakke gebieden en samengedrukt perspectief. Deze gecompartimenteerde manier van doen heeft evenveel te danken aan glas-in-loodramen als aan Japanse prenten, die laten zien hoe een stad in een paar silhouetten en diagonalen past. Schemering is niet vervaagd: het wordt gebouwd door zones, waardoor de laan een nieuwe grafische snelheid krijgt.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#78
Paul Gauguin78. Zelfportret
In dit jeugdige zelfportret toont Gauguin zich al vóór de grote Bretonse en Tahitiaanse syntheses. Zijn interesse in een japonistische reis is minder te danken aan een zichtbaar citaat dan aan het traject dat hij aankondigt: een paar jaar later zullen duidelijke, platte profielen en compositie buiten het midden essentieel worden voor zijn taalgebruik. Het doek dient dus eerder als uitgangspunt dan als voltooid voorbeeld.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#79
Claude Monet79. Waterlelies: ochtend
Het grote ochtendbord behoort tot de cyclus die Monet na de Eerste Wereldoorlog aan de staat aanbood. De vijver omhult de horizonloze blik, in een panoramisch formaat dat doet denken aan zowel het scherm als de geschilderde boekrol. Japonisme is niet langer een identificeerbaar accessoire: het bewoont de manier waarop de tijd en ruimte van de schilderkunst worden verlengd.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#80
Claude Monet80. Waterlelies
In de grote late waterlelies verdwijnt de horizon en vult de vijver het gezichtsveld volledig. Monet duwt een vrijheid die al aanwezig is in de Japanse omlijsting heel ver: de blik domineert het landschap niet langer, hij zweeft tussen reflecties, planten en wolken. Het panoramische formaat transformeert het tuinmotief in een omgeving, halverwege tussen schilderen, decoreren en onderdompelen.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#81
Claude Monet81. Waterlelies: groene reflecties
In deze groene reflecties wordt de vijver van Giverny een oppervlak zonder stabiele oever, bedekt met plantaardige en lichtgevende vlekken. De afwezigheid van een horizon vergroot de vrijheid die je van prints leert: naar beneden kijken is genoeg om een wereld te produceren. Monet schildert een Japanse tuin niet langer als curiosum, maar een autonoom gezichtsveld waar water en de lucht van plaats wisselen.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#82
Claude Monet82. Vrouw met parasol draaide naar links
Monet gebruikt hetzelfde model, Suzanne Hoschedé, in twee schilderijen waar de paraplu, de wind en het licht meer tellen dan identiteit. De figuur, vanuit een lage hoek gezien en doorgesneden aan de rand, herinnert aan de vrijheid van inlijsten van de afdrukken. In deze naar links gerichte versie wordt het lichaam een draaipunt tussen snelle wolken, gras en stof.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#83
Claude Monet83. Vrouw met parasol naar rechts gericht
De naar rechts gedraaide hanger keert de massa om zonder het eerste canvas mechanisch te herhalen. Monet behandelt de twee beelden als een variatie, een proces dat dicht bij het seriële denken ligt dat hij bewonderde in Hokusai en Hiroshige. Met het silhouet, de paraplu en de lage horizon kun je meten hoe een minimaal verschil in richting de hele beweging van de lucht verandert.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#84
Gustav Klimt84. Margaret Stonborough-Wittgenstein
Klimt beeldt Margarethe Stonborough-Wittgenstein af in een witte jurk voor een bloemig en geometrisch decor. Het frontale silhouet blijft verbonden met het wereldse portret, terwijl de afgeplatte achtergrond het lichaam dichter bij een decoratief paneel brengt. Het Weense Japonisme vermengt zich hier met toegepaste kunst en de Afscheiding, in een zoektocht naar eenheid tussen schilderkunst, textiel en interieurs.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#85
Maurice Denis85. Moederschap
Denis vertegenwoordigt het moederschap met een eenvoud van profielen en gebaren die het familiescène transformeert in een bijna heilig beeld. Afgeplatte shots en decoratief ritme maken deel uit van de Nabi-taal, waar Japanse prenten tot verschillende bronnen behoren. Het dagelijks leven en spiritualiteit staan niet langer tegenover elkaar: een kalm oppervlak is voldoende om ze samen te brengen.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#86
Claude Monet86. De kunstenaarstuin in Giverny
Monet schildert de irissen en paden van zijn tuin in Giverny als een zowel gebouwde als gecultiveerde ruimte. De kleurrijke massieven, het schuine uitzicht en de takken die het tafereel afsnijden, vergroten zijn bewondering voor Japan. De tuin is dus niet alleen het onderwerp: het is een levensgroot voorbereidend werk, georganiseerd om voortdurend nieuwe kozijnen te produceren.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#87
Raoul Dufy87. De verlaten tuin
Dufy transformeert de verlaten tuin in arabesken en lichtgekleurde plantengebieden. De leegte, de snelle contouren en de vrijheid van de opnamen herinneren ons eraan hoe de Europese moderniteit van prenten heeft geleerd niet elk deel van het schilderij te vullen. Verlating is niet triest: het geeft planten de mogelijkheid om hun eigen decor uit te vinden.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#88
James Abbott McNeill Whistler88. Chelsea
Whistler schildert Chelsea als een stille kust waarvan de details in een paar tonen oplossen. De vergelijking met Hiroshige is te danken aan de economie van het stedelijke landschap, de leegte en het belang van het atmosferische moment. Londen is niet langer een hoofdstad die monument voor monument wordt beschreven: het wordt een sensatie tussen water, lucht en industrie.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#89
Pierre-Auguste Renoir89. Buste van een jong meisje dat naar bloemen kijkt
Renoir brengt een jong meisje en bloemen samen in een zacht tafereel waar look, face en bouquet een klein circuit vormen. De link met het japonisme is perifeer: intieme omlijsting, alledaags onderwerp en decoratieve interesse in bloemen. De aanraking en de modellering blijven diepgaand Renoirian, wat het mogelijk maakt de diversiteit van westerse reacties op de nieuwe beeldcultuur te meten.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#90
Felix Vallotton90. Het bad tijdens de zomeravond
Vallotton bouwt het avondbad met scherpe silhouetten, schaduwen en grote kleurvlakken. De taal van zijn graveur, gevoed door Japanse prenten, geeft de figuren een bijna uitgesneden aanwezigheid. Het zomerlandschap verliest zijn impressionistische zachtheid en wordt een stille, enigszins vreemde scène, waarbij de helderheid van de omtrek alle vertelling behoudt.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#91
Pierre Bonnard91. Schemering
Bonnard maakt van schemering een kleurovergang in plaats van een gemodelleerd atmosferisch effect. De figuren en het landschap zijn geordend op een ondiep oppervlak, in continuïteit met zijn Japanse blik. Door de onzekere tijd komen de vormen dichter bij de setting zonder te verdwijnen, alsof de wereld even een kleurrijke afdruk werd.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#92
James Tissot92. De galerij van HMS Calcutta
Tissot omlijst een scheepsgalerij met uitgesneden figuren, touwen, hoeken en strakke diepte. De wereldse precisie van de schilder ontmoet hier een verrassend grafische compositie, compatibel met de Japanse les. De blik stroomt minder naar een centrum dan van het ene detail naar het andere, en volgt de architectuur van de boot en sociale relaties.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#93
Claude Monet93. Geel irisveld in Giverny
De gele irissen van Giverny vormen een kleurrijke massa die het oog naar de tuin leidt zonder deze ook maar één centrum te bieden. Monet componeert door plantenherhaling, onstabiel snijden en diepte, principes die worden versterkt door zijn studie van prenten. Japans motief niet aangehaald; het werd een methode om de werkelijke overvloed van de eigen tuin te organiseren.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#94
Henri Matisse94. Twee kleine meisjes, gele en rode achtergrond
Matisse brengt twee kleine meisjes samen voor een gele en rode achtergrond waarvan de intensiteit concurreert met de figuren. Het japonisme handelt hier naar erfgoed: vlakke gebieden, contouren, decor en weigering van stabiele diepte zijn gewone hulpbronnen van de moderniteit geworden. Het late werk laat zien hoe de ontdekkingen van de 19e eeuw bleven leven naar de mode voor fans en kimono's.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#95
Pierre-Auguste Renoir95. Meisje zittend in een landschap (jong meisje zittend in een tuin)
Renoir plaatst het jonge meisje in een tuin waar kleur en aanraking kleding, gezicht en vegetatie met elkaar verbinden. De link met het japonisme blijft indirect, vooral in de close cut en de afwezigheid van verhalen. Deze late functie is vrijwillig: het werk behoort tot het klimaat van visuele vrijheid dat destijds werd gecreëerd, zonder een Japans manifest te zijn.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#96
Pierre-Auguste Renoir96. Meisje met roze hoed (jong meisje met roze hoed)
De roze hoed concentreert de kleur rond het gezicht, terwijl de achtergrond soepel en slecht gedefinieerd blijft. Renoir geeft de voorkeur aan het levende model in plaats van aan het platte model, waardoor het canvas zich distantieert van de meest directe Japanse voorbeelden. Het sluit de reis af als een diffuse echo: de intieme omlijsting en decoratieve waarde van het kostuum getuigen van een gedeelde moderniteit, niet van een precieze quote.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#97
Pierre-Auguste Renoir97. Hoofd van een jong meisje
Renoir schildert het hoofd van een jong meisje met een zachte modellering en een soepele toets die ver van de Japanse contouren blijft. Zijn plaats in deze reis is vooral close framing en moderne smaak voor een figuur zonder verhaal. Het werk toont daarmee de bruikbare grenzen van de term Japonisme: niet alle gewaagde tijdsnedes vormen een direct citaat.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#98
James Abbott McNeill Whistler98. Nocturne
Deze Nocturne van Whistler behoort tot zijn zoektocht naar een Londen gereduceerd tot een paar lichtgevende waarden en accenten. Zelfs als het exacte patroon vervaagt, blijft de les van Hiroshige waarneembaar in de leegte, asymmetrie en vertrouwen in een silhouet. Schilderen vraagt om langzame aandacht: er wordt bijna niets beschreven, maar tijd en lucht zijn aanwezig.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#99
Emile Bernard99. Bretonse vrouwen op een veerboot
Bernard regelt de Bretons in een veerboot met profielen, hoofdtooien en aparte donkere missen. De boot comprimeert de lichamen en bevordert een friescompositie, dicht bij de verhalende helderheid van de prenten. De moderne transportscene behoudt echter het archaïsche karakter dat de kunstenaar op Bretagne projecteerde, een spanning die typerend is voor zijn synthetisme.
Bestel een reproductie van dit schilderij →
#100
Louis Anquetin100. Moulin Rouge
Anquetin schildert de Moulin Rouge met dikke contouren, nachtelijke kleuren en samengedrukte silhouetten. De menigte en de lichten worden eerder borden dan gemodelleerde volumes, dankzij het compartimentalisme dat wordt gevoed door het Japanse imago. Het Parijse cabaret vindt zo een grafische taal die is aangepast aan zijn snelheid, zijn posters en zijn kunstlicht.
Bestel een reproductie van dit schilderij →Wat de werken onthullen
Honderd schilderijen, drie beslissende zetten
Het japonisme gaat noch over de kimono, noch over de rode brug. De invloed ervan werkt in de omlijsting, het oppervlak en de keuze van gewone momenten. Na honderd schilderijen lijkt het academische perspectief ineens een kraag te dragen die iets te strak zit.
De rand van het frame wordt actief
Gesneden figuren, zij - en diagonaalbomen dwingen het oog een ruimte te reconstrueren die zich buiten het beeld voortzet.
De oppervlakkige winst in franchise
Vlakke vlakken, contouren en decoratieve patronen herinneren ons eraan dat het canvas ook een georganiseerd object is, en niet alleen een illusionistisch raam.
Het dagelijks leven verdient geweldige schilderkunst
Baden, lezingen, tuinen, bruggen en interieurs krijgen een moderne aanwezigheid zonder dat er een heroïsch onderwerp nodig is.
Chronologie van een reizende blik
Vijf data om de invloed van kant te zien veranderen
De Kanagawa-conventie versnelt de uitwisseling en circulatie van Japanse objecten en afbeeldingen naar het Westen.
De Wereldtentoonstelling van Parijs geeft spectaculaire zichtbaarheid aan de kunsten van Japan.
Monet presenteert Camille in Japanse klederdracht en transformeert de Parijse mode in een groot schilderij dat even briljant als dubbelzinnig is.
In Parijs transponeerde Van Gogh twee prenten in olieverf en intensiveerde de kleuren, contouren en randen ervan.
Een grote tentoonstelling van prenten in Parijs markeert Cassatt en bevestigt de Japanse invloed op de westerse moderniteit.
Invloed in diepte
Hoe beweegt Japan de westerse schilderkunst?
Na de geleidelijke openstelling van Japan voor internationale handel circuleren de bladeren van Hokusai, Hiroshige, Utamaro en Eisen in Europese workshops. Ze bieden noch een centraal verdwijnpunt, noch een academische hiërarchie: een tak kan het frame doorsnijden, een brug kan het beeld diagonaal kruisen en een grote leegtebalansfiguren worden opzij gegooid.
Manet en Whistler introduceerden voor het eerst prenten, ventilatoren, porselein en schermen in hun portretten. Deze objecten demonstreren een mode, soms boordevol westerse fantasieën, maar ze wijzigen ook de compositie. Decor is niet langer secundair; textiel, muur en silhouet nemen deel aan dezelfde opstelling van lijnen en kleuren.
Van Gogh gaat de meest directe dialoog aan. Hij verzamelde prenten, kopieerde Hiroshige en Eisen in olieverfschilderijen en zette vervolgens hun contouren en vlakke gebieden om in zijn landschappen van Arles en Saint-Rémy. Er wordt alom gedroomd van het Japan dat hij zich voorstelt, maar deze fictie stelt hem in staat de donkere tonen van zijn begin op te geven en met een nieuwe vrijheid over kleur na te denken.
Bij Monet wordt invloed in de loop van de tijd gevestigd. Zijn collectie prenten begeleidt de aanleg van de watertuin van Giverny, de brug en de waterlelies. Naarmate de serie vordert, verdwijnt de horizon, wordt de reflectie net zo belangrijk als de plant en nadert het canvas het scherm of de panoramische rol.
Degas, Morisot en Cassatt herinneren zich vooral de omlijsting: afgesneden lichamen, hoge uitkijkpunten, grote stukken vloer of water en gebaren vastgelegd tussen twee houdingen. Het dagelijks leven krijgt zo een nieuwe spanning. De Japanse les zit hem niet meer in een herkenbaar accessoire, maar in de beslissing om minder te laten zien om meer te laten zien.
Gauguin, Sérusier, Bernard en de Nabis breiden deze beweging uit naar vlakheid, contour en decoratief oppervlak. Bonnard en Vuillard maken kleding, behang en meubelacteurs in het schilderij. Deze moderniteit blijft opgebouwd uit kruispunten: Japanse prenten, glas-in-loodramen, populaire kunsten, mozaïeken en persoonlijke ervaringen spelen daarop in zonder een enkele oorsprong.
Het japonisme vertelt eindelijk van een ongelijke ontmoeting. Europese kunstenaars hebben Chinese en Japanse voorwerpen vaak verward, de kimono in een chique kostuum veranderd of hun eigen verlangens op Japan geprojecteerd. Het lezen van deze werken vandaag de dag impliceert daarom het herkennen van hun formele uitvinding, terwijl de vereenvoudigingen en verbeeldingskracht die daarmee gepaard gaan, in acht worden genomen.
Van de brug van Hiroshige tot het balkon van Manet, van de boot van Cassatt tot de tuinen van Monet, de beslissende verandering ligt aan de rand van het frame. Wat wordt gesneden, leeg gelaten of naar één kant teruggeduwd, wordt net zo actief als het midden. De westerse schilderkunst kijkt niet helemaal meer vooruit: zij leert zijwaarts te kijken.
Vier leestoetsen
Kijk zonder in elke hoek een pagode te zoeken
Japonisme wordt beter herkend door zijn visuele beslissingen dan door zijn accessoires. Door inlijsten, leegte, omtrek en patroon is het mogelijk een structurerende invloed te onderscheiden van een eenvoudig avondkostuum.
Observeer wat er wordt gesneden
Een lichaam, een brug of een tak onderbroken door de rand geeft de scène een nieuwe directheid.
Ademhaling meten
De licht bezette gebieden zijn geen vergissingen: ze brengen de massa in evenwicht en geven lucht aan het patroon.
Volg de lijn
Een scherp silhouet kan de compositie dragen zonder afhankelijk te zijn van progressieve modellering of diep perspectief.
Lees het oppervlak
Stoffen, bloemen, water en schermen organiseren repetities die het schilderij verenigen en de muur zachtjes wakker maken.
Atlas van de ongepaste blik
Ga verder na de laatste brug
Musea, kunstenaars, collecties en bronnen stellen ons in staat de dialoog tussen Japanse kunst en westerse schilderkunst te volgen. Links vermijden exotische snelkoppelingen; de blik kan licht blijven reizen.
In Alpha Reproduction
01Claude MonetDe meesters van het Japonisme02Vincent van GoghDe meesters van het Japonisme03James Abbott McNeill WhistlerDe meesters van het Japonisme04Édouard ManetDe meesters van het Japonisme05Gustav KlimtDe meesters van het Japonisme06Berthe MorisotDe meesters van het Japonisme07Paul SérusierDe meesters van het Japonisme08Paul GauguinDe meesters van het Japonisme09Édouard VuillardDe meesters van het Japonisme10Alfred StevensDe meesters van het Japonisme11JaponismeCollecties & gidsen12Japanse reproductiesCollecties & gidsen13Beroemde schilderijenCollecties & gidsen14Alle beroemde topschilderijenCollecties & gidsen15Hokusai-reproductiesCollecties & gidsen16Claude Monet reproductiesCollecties & gidsen17Reproducties Vincent van GoghCollecties & gidsen18Alle reproducties van schilderijenCollecties & gidsenMusea en referenties
01Wikipedia - JaponismeMuseum & referentie02Wikidata - JaponismeMuseum & referentie03Wikimedia Commons - JaponismeMuseum & referentie04Musée d'Orsay - collectiesMuseum & referentie05De Met - JaponismeMuseum & referentie06Britannica - JaponismeMuseum & referentieVeelgestelde vragen
Japonisme zonder verwarring van medium
De essentiële maatstaven voor het begrijpen van de Japanse invloed en weten waarom deze Top alleen schilderijen presenteert.
Wat is Japonisme?
Het is de invloed van de Japanse kunst op westerse kunstenaars in de 19e en het begin van de 20e eeuw, vooral door prenten, objecten, schermen, textiel en geïllustreerde boeken.
Hoe transformeert Japanse prentkunst een schilderij?
Het kan de omlijsting wijzigen, de ruimte plat maken, de contour versterken of een actieve rol geven aan lege gebieden. De invloed wordt diepgaand wanneer het de hele constructie van het beeld verandert, zelfs zonder kimono, waaier of brug.
Waarom worden Hokusai en Hiroshige geciteerd zonder geclassificeerd te zijn?
Hun prenten hadden een diepgaande impact op de Europese schilders door hun lijnen, kadrering en vlakke ruimtes. Ze verklaren de invloed, terwijl de classificatie gereserveerd blijft voor het picturale medium.
Is Van Gogh verbonden met het japonisme?
Ja, heel sterk. Hij verzamelt Japanse prenten, kopieert Hiroshige en Eisen, en gebruikt hun gedurfde kleuren, zuivere contouren en vereenvoudigde composities in verschillende grote werken.
Waarom wordt Monet vaak aangehaald?
Monet schilderde La Japonaise, verzamelde prenten en legde in Giverny een tuin aan met een Japanse brug en waterlelievijver. Het japonisme wordt voor hem evenzeer een sfeer als een visuele structuur.
Welke schilders vertegenwoordigen het japonisme?
Monet, Van Gogh, Whistler, Manet, Tissot, Morisot, Gauguin, Cassatt, Bonnard en Vuillard vertonen zeer verschillende facetten, van direct citeren tot getransformeerde framing.
Welk Japans schilderij moet u kiezen ter decoratie?
Voor een rustige aanwezigheid, Whistler of Morisot; voor meer kleur, Monet of Van Gogh; voor een dichter decoratief oppervlak hebben Bonnard, Vuillard of Gauguin veel karakter.
Waarom spreekt het Japonisme nog aan?
Omdat het eenvoud, elegantie, beweging en visuele verrassing combineert. Het leert het oog anders ademen, met een gedurfde omlijsting en een gratie die zijn stem niet hoeft te verheffen.
0 reacties