Picasso en zijn belang in de kunstgeschiedenis
Pablo Picasso (1881-1973) is een van de meest invloedrijke kunstenaars van de 20e eeuw. De Spaanse genie-schilder was medeoprichter van de kubistische beweging en revolutioneerde de manier waarop de realiteit in de kunst werd weergegeven. Gedurende zijn productieve carrière – meer dan zeven decennia van creatie – heeft Picasso talrijke beroemde schilderijen geproduceerd die de geschiedenis van de moderne kunst hebben gemarkeerd. Zijn werken, gedurfd en gevarieerd, getuigen van een grenzeloze inventiviteit en een vermogen om zichzelf voortdurend opnieuw uit te vinden. Van zijn kleurrijke periodes tot zijn kubistische experimenten, blijven de iconische schilderijen van Picasso het publiek en kunstenaars over de hele wereld inspireren. In dit artikel zullen we de beroemdste doeken van Picasso verkennen, hun scheppingscontext en impact begrijpen, en duiken in de verschillende artistieke periodes van deze onmisbare meester.
Wat is het beroemdste schilderij van Picasso?
Het is vermeldenswaard dat Picasso ook andere even indrukwekkende doeken heeft gemaakt. Les Demoiselles d’Avignon (1907), bijvoorbeeld, is een meesterwerk dat het kubisme voorafgaat en vaak wordt genoemd in kunsthandboeken vanwege zijn revolutionaire karakter. Echter, Guernica blijft het emblematische schilderij van Picasso in de ogen van het grote publiek, zowel vanwege zijn historische betekenis als zijn monumentale visuele impact.
Hoeveel schilderijen heeft Picasso geschilderd?
Picasso was buitengewoon productief. Men schat dat hij ongeveer 1.800 tot 1.900 schilderijen heeft gemaakt gedurende zijn leven. Dit indrukwekkende aantal vertegenwoordigt echter slechts een deel van zijn totale artistieke productie: Picasso heeft namelijk bijna 50.000 kunstwerken in alle categorieën gemaakt. Zijn totale oeuvre omvat natuurlijk schilderijen, maar ook tekeningen (meer dan 7.000), gravures en lithografieën (bijna 10.000), keramiek (ongeveer 2.800) en beeldhouwwerken (ongeveer 1.200).
Deze diversiteit getuigt van Picasso's voortdurende nieuwsgierigheid en experimentatie met artistieke media. Hij beperkte zich niet tot olieverfschilderijen op doek: hij verkende ook beeldhouwkunst in metaal of terracotta, decoratieve keramiek, gravure, collage, en zelfs het creëren van decors en kostuums voor het theater. Zijn artistieke levensduur (hij bleef creëren tot zijn dood op 91-jarige leeftijd) gecombineerd met zijn uitzonderlijke creatieve energie verklaren dit kolossale oeuvre dat hij naliet. Zo wordt het aantal door Picasso geschilderde schilderijen in de duizenden geteld, en weerspiegelt bijna elk een andere kant van zijn veelzijdige genie.
De schilderijen van Picasso in de kubistische stijl
Het kubisme is de kunststroming die onmiddellijk met de naam Picasso wordt geassocieerd. Ontstaan rond 1907 in samenwerking met de Franse schilder Georges Braque, probeert het kubisme de vormen van de natuur vanuit meerdere hoeken weer te geven, door ze op te splitsen in geometrische vlakken. De kubistische schilderijen van Picasso doorbreken het traditionele perspectief: objecten en figuren worden er opgesplitst in kubussen, kegels en cilinders, wat een gelijktijdig zicht op verschillende gezichtspunten geeft. Deze vernieuwende stijl heeft de westerse schilderkunst radicaal veranderd en de weg geopend voor de abstracte kunst.
Onder de opvallende kubistische schilderijen van Picasso kunnen we noemen:
Les Demoiselles d’Avignon (1907) – Beschouwd als het eerste grote kubistische schilderij (of proto-kubistisch), toont het vijf naakte vrouwen met hoekige vormen en gezichten geïnspireerd door de Iberische en Afrikaanse kunst. Dit voor die tijd schokkende doek doorbrak de artistieke conventies en kondigde het opkomende kubisme aan.
Ma Jolie (1911-1912) – Een typisch voorbeeld van Picasso's analytisch kubisme. Het onderwerp (waarschijnlijk een portret van zijn toenmalige partner, Marcelle Humbert, bijgenaamd "Ma Jolie") is gefragmenteerd in een veelheid van kleine, bijna abstracte vlakken. Het palet van bruintinten en grijzen en het verweven van geometrische vormen maken het motief moeilijk te onderscheiden, wat de radicale verkenning van vorm door Picasso in deze periode illustreert.
De Drie Muzikanten (1921) – Een emblematisch werk van het synthetisch kubisme, dit kleurrijke schilderij toont drie gestileerde figuren die muziek maken. De vormen zijn afgeplat in brede, levendige vlakken en naast elkaar geplaatst als collages. Gemaakt na de Eerste Wereldoorlog, toont dit vrolijke schilderij met puzzelachtige kenmerken aan dat Picasso de kubistische esthetiek voortzette terwijl hij deze vernieuwde met vrolijkere kleuren en decoratievere vormen.
In zijn kubistische schilderijen heeft Picasso de visuele waarneming gerevolutioneerd. Hij toonde aan dat het mogelijk was om "alles tegelijk te laten zien" – de zijden van een object, het profiel en het gezicht van een persoon – op een vlak oppervlak. Daarmee bevrijdde hij de schilderkunst van de beperkingen van het realisme en opende hij de deur naar een oneindigheid aan stilistische mogelijkheden. De kubistische stijl van Picasso, of die nu analytisch (zeer gedestructureerd) of synthetisch (meer ornamentaal) is, behoort tot zijn beroemdste bijdragen aan de kunstgeschiedenis.
Vrouwen in de schilderijen van Picasso
Vrouwen nemen een centrale plaats in in de kunst van Picasso. Gedurende zijn hele leven schilderde de kunstenaar talrijke portretten van vrouwen, vaak geïnspireerd door zijn metgezellen, muzen of dierbaren, en deze schilderijen behoren tot zijn beroemdste werken. Elk van deze vrouwelijke figuren wordt afgebeeld met een eigen stijl en emotie, die de relatie van Picasso met het model en de tijd van creatie weerspiegelen.
Enkele emblematische vrouwelijke portretten van Picasso:
De Droom (1932) – Dit schilderij stelt Marie-Thérèse Walter voor, de jonge minnares van Picasso in de jaren 1930, sluimerend in een fauteuil. De figuur is behandeld met zachte en sensuele rondingen, een palet van levendige en warme kleuren (roze, geel) en een lichte verdubbeling van het gezicht in kubistische stijl. De Droom is een van de beroemdste portretten van Picasso, die de liefdevolle vervulling en de bruisende creativiteit van de kunstenaar in deze periode symboliseert.
Dora Maar au Chat (1941) – Picasso schildert hier zijn muze Dora Maar zittend op een stoel, met een klein katje op haar schouder. Dora's gezicht is gefragmenteerd en hoekig, typisch voor Picasso's late kubistische stijl, en de contrasterende kleuren geven het geheel een sfeer die zowel elegant als onheilspellend is. Dit schilderij, een van Picasso's meest gewaardeerde, getuigt van de fascinatie van de kunstenaar voor de complexe persoonlijkheid van Dora Maar.
De vrouw die huilt (1937) – Dit aangrijpende portret, eveneens geïnspireerd door Dora Maar, toont een huilend vrouwengezicht, met amandelvormige ogen en een verwrongen mond die een zakdoek vasthoudt. Gemaakt in hetzelfde jaar als Guernica, is het als een emotionele voortzetting ervan: de huilende vrouw is het universele symbool van lijden. Met zijn schrille kleuren en vervormde vormen is De vrouw die huilt een van Picasso's krachtigste portretten, die diepe pijn uitdrukt.
Portret van Olga in een fauteuil (1917) – Picasso schilderde ook meer klassieke portretten van zijn dierbaren, met name van zijn eerste vrouw, de ballerina Olga Khokhlova. In dit schilderij is Olga afgebeeld zittend in een fauteuil, elegant gekleed, met een vrij realistische en serene weergave. Gemaakt net na de analytische kubistische periode, markeert dit portret Picasso's tijdelijke terugkeer naar een meer traditionele stijl en toont het zijn beheersing van alle schilderstijlen.
Door deze portretten van vrouwen ontdekken we de vele gezichten van Picasso. Soms teder en verliefd met Marie-Thérèse, soms geplaagd met Dora Maar, of respectvol tegenover de traditie met Olga, heeft Picasso het hele spectrum van menselijke emoties verkend. Zijn schilderijen van vrouwen behoren tot zijn beroemdste en meest gezochte werken, en verschillende daarvan behoren tegenwoordig tot de duurste schilderijen ter wereld (zo hebben Dora Maar au Chat en Le Rêve recordbedragen op veilingen bereikt). Deze muzen hebben onmiskenbaar bijgedragen aan het vormgeven van Picasso's kunst, elk op hun eigen manier.
De blauwe periode van Picasso
De blauwe periode van Picasso (1901-1904) is een van zijn beroemdste en meest ontroerende artistieke fasen. Deze periode begint na een persoonlijk drama: de zelfmoord van zijn goede vriend Carlos Casagemas in 1901 dompelt Picasso in diepe droefheid. Vanaf dat moment beperkt zijn palet zich bijna uitsluitend tot koele tinten – blauw, blauwgroen, turquoise – die zijn doeken doordrenken met een melancholieke sfeer. De onderwerpen die hij in deze periode behandelt, illustreren vaak ellende en eenzaamheid, geïnspireerd door het leven van de randfiguren die hij observeerde in Parijs of Barcelona.
In zijn blauwachtige werken lijken de personages gevangen in hun verdriet. Picasso schildert bijvoorbeeld bedelaars, moeders met hun kind, arme ouderen of circusartiesten met een melancholische blik. Twee emblematische werken uit deze periode illustreren perfect de emotie en de eenvoud van de contouren die kenmerkend zijn voor deze stijl:
De blinde oude gitarist (1903) : We zien er een magere oude man die gitaar speelt, alles ondergedompeld in een uniforme blauwe tint die de ellende van de scène benadrukt.
La Vie (1903) : Groot allegorisch werk dat een naakt paar toont tegenover een moeder die een baby vasthoudt, tegen een achtergrond van spookachtige figuren – een complex werk dat de wanhoop en de zoektocht naar betekenis van Picasso samenvat.
Vrouw met gekruiste armen (1901) : Dit doek toont een vrouw met een peinzende en melancholische blik, symbool van de eenzaamheid en de ellende die deze periode doordringen.
Ondanks de ernst van zijn thema's stelde de blauwe periode Picasso in staat een zeer persoonlijke stijl te ontwikkelen en de aandacht van het publiek te trekken. Zijn schilderijen, met vereenvoudigde contouren en uitgerekte lichamen, stralen grote emotie uit. Rond 1904, toen hij zich in Montmartre vestigde en nieuwe vrienden ontmoette, waaronder zijn toekomstige metgezel Fernande Olivier, klaarde Picasso's stemming geleidelijk op en begon hij aan zijn roze periode (1904-1906). Toch blijven de meesterwerken uit de blauwe periode tot de meest gewaardeerde behoren vanwege hun menselijke diepgang en aangrijpende oprechtheid.
De jeugdschilderijen van Picasso
Vanaf jonge leeftijd toont Picasso een vroege artistieke aanleg. Er wordt verteld dat zijn eerste serieuze tekening werd gemaakt op 8-jarige leeftijd en een picador (een torero te paard) tijdens een stierengevecht afbeeldde – een typisch Spaanse scène.
In 1896, toen hij pas 15 jaar oud was, schilderde hij De Eerste Communie, een groot academisch schilderij waarop hij zijn knielende zus afbeeldt die de communie ontvangt, omringd door hun ouders. Dit werk, zeer traditioneel in compositie en uitvoering, toont al de technische virtuositeit van de adolescent: realistische plooien, subtiele lichtspelingen, vrome uitdrukkingen.
Het volgende jaar, in 1897, maakt Picasso Wetenschap en Liefdadigheid, een ander groot doek waarop een arts een zieke patiënt onderzoekt terwijl een non een kom bouillon presenteert – een scène van christelijke liefdadigheid die hem een medaille opleverde op een tentoonstelling in Madrid. Ook hier is de beheersing van de jonge schilder verbazingwekkend voor zijn leeftijd: de aandacht voor anatomische details, de verzorgde compositie en de ernst van het onderwerp tonen aan dat Picasso op 16-jarige leeftijd al gelijk stond aan de academische schilders van zijn tijd.
Deze jeugdwerken van Picasso, vaak onbekend bij het grote publiek, getuigen van zijn degelijke leerproces van de basisprincipes van tekenen en klassieke schilderkunst bij zijn vader (die tekenleraar was) en aan de Academie. Voordat hij nieuwe schildertalen uitvond, bewees Picasso dus dat hij in staat was om in een realistische stijl van hoge kwaliteit te schilderen. Er zijn ook talrijke schetsen en kleine schilderijen uit zijn jeugd – familieportretten, stierenvechtscènes, stedelijke landschappen van Barcelona – die zijn snelle evolutie tonen. Rond 1900 reist Picasso voor het eerst naar Parijs en ontdekt hij de bruisende moderniteit van de kunst. Zijn jeugdschilderijen schakelen dan over naar het postimpressionisme en persoonlijke expressie, wat de blauwe en roze periodes aankondigt die nog komen. Maar het is fascinerend om vast te stellen dat Picasso al vanaf zijn adolescentie een virtuoos schilder was, in staat tot het beste in een klassieke stijl voordat hij de gevestigde conventies doorbrak.
De zwart-wit schilderijen
Picasso is beroemd om zijn gedurfde kleurgebruik, maar sommige van zijn krachtigste werken zijn vrijwel in zwart-wit. Door bewust te kiezen voor een kleurenpalet zonder kleur, richt de kunstenaar de aandacht op het onderwerp en het lichtspel, wat de scène een bijzondere, vaak dramatische kracht geeft. Twee belangrijke schilderijen illustreren deze benadering: Guernica en De Massagraf.
Guernica (1937), al eerder genoemd als zijn beroemdste schilderij, is een opvallend voorbeeld van een zwart-wit werk. Picasso beeldde het geweld van het bombardement op Guernica uit door alleen grijstinten, zwart en wit te gebruiken. Deze keuze was niet alleen esthetisch: het versterkte het tragische en universele karakter van de scène (door het contrast deed het denken aan zwart-wit krantenfoto's die destijds werden verspreid om de verwoestingen van het bombardement te tonen). Het ontbreken van kleur voorkomt afleiding en maakt het mogelijk zich te concentreren op de verscheurde vormen en de uitdrukkingen van pijn. Guernica bewijst zo dat het besparen op middelen (hier geen felle kleuren) een nog grotere emotionele impact op de toeschouwer kan hebben.
Enkele jaren later, tegen het einde van de Tweede Wereldoorlog, maakt Picasso De Massagraf (1944-45). Dit schilderij, onvoltooid gebleven, is ook in zwart, wit en grijs. Het stelt een massamoordscène voor: lichamen opgestapeld in wat lijkt op een massagraf, een directe verwijzing naar de gruweldaden die toen werden ontdekt in concentratiekampen of naar de excessen van de Spaanse burgeroorlog. De Massagraf is een harde, compromisloze compositie, waar de nauwelijks geschetste figuren zich aftekenen in clair-obscur. Het werk, minder bekend bij het grote publiek dan Guernica, wordt tegenwoordig bewaard in het Museum ... of Modern Art (MoMA) in New York. Door zijn sobere behandeling in zwart-wit drukt Picasso opnieuw zijn engagement tegen barbaarsheid uit, waarbij hij de eenvoud van de tonen gebruikt om de ernst van het onderwerp te benadrukken. Of het nu met Guernica of De Massagraf is, de kunstenaar heeft aangetoond dat het ontbreken van kleur paradoxaal genoeg de boodschap van een werk en de emotionele intensiteit kan versterken. Deze zwart-wit schilderijen behoren tot de meest indringende beelden uit zijn repertoire, gegrift in het collectieve geheugen.
Prijs van Picasso-schilderijen
De schilderijen van Picasso behoren regelmatig tot de duurste kunstwerken op de markt. De prijs van een doek van Picasso hangt af van vele factoren: de bekendheid van het werk, het historische belang, de herkomst, de staat van bewaring, en niet te vergeten de belangstelling van rijke verzamelaars. De meesterwerken van Picasso wisselen van eigenaar voor enorme bedragen tijdens internationale veilingen, waarbij vaak records worden gebroken.
Verschillende doeken van de meester hebben de symbolische grens van 100 miljoen dollar overschreden. Bijvoorbeeld, Les Femmes d’Alger (Versie O), geschilderd in 1955, werd verkocht voor 179,4 miljoen dollar inclusief kosten tijdens een veiling bij Christie’s in 2015 – een wereldrecord voor een kunstwerk dat destijds onder de hamer ging. Evenzo werd De Droom (1932), een portret van Marie-Thérèse Walter, in 2013 privé verkocht voor ongeveer 155 miljoen dollar (wat het een van de duurste schilderijen maakt die ooit privé zijn verkocht). Andere spectaculaire veilingen markeerden de kunstmarkt: Jongen met pijp (1905) bereikte 104 miljoen dollar in 2004, Meisje met bloemenmand (1905) werd in 2018 verkocht voor 115 miljoen, en meer recentelijk in 2021, Zittende vrouw bij een raam (Marie-Thérèse) (1932) overtrof de 100 miljoen dollar bij Christie’s. Deze cijfers zijn duizelingwekkend en illustreren de bijna mythische waarde die aan Picasso’s doeken wordt toegekend.
Het is belangrijk op te merken dat niet alle werken van Picasso zulke hoogten bereiken. De kunstenaar heeft duizenden stukken geproduceerd, en op de markt zijn er tekeningen, gravures of doeken die minder iconisch zijn en tegen meer "toegankelijke" prijzen worden aangeboden (enkele duizenden tot enkele honderdduizenden euro's, afhankelijk van het werk). Toch, zodra het gaat om een belangrijk schilderij uit een gewilde periode (bijvoorbeeld een scène uit de blauwe periode, een portret van een beroemde muze, of een historische kubistische compositie), schieten de prijzen omhoog. Zeldzaamheid speelt ook een rol: veel schilderijen van Picasso worden bewaard in musea en openbare collecties en zullen nooit te koop zijn. Degenen die nog wel in particuliere of openbare verkoop verschijnen, roepen dus een felle concurrentie op tussen verzamelaars. Kortom, de naam Picasso blijft een absolute referentie op de kunstmarkt, synoniem voor prestige – en buitengewone prijzen.
Conclusie: nalatenschap en invloed van Picasso
Samengevat is de erfenis die Picasso heeft nagelaten in de kunstgeschiedenis enorm. Door zijn beroemdste schilderijen heeft hij niet alleen revolutionaire stijlen verkend, maar ook de vreugden en tragedies van zijn tijd met ongeëvenaarde kracht uitgedrukt. Als grondlegger van het kubisme en centrale figuur van de moderne kunst, heeft Picasso de weg geopend voor talloze kunstenaars door te laten zien dat men de academische regels kon doorbreken om nieuwe esthetieken te creëren. Zijn invloed strekt zich uit van het begin van de 20e eeuw tot vandaag: men vindt die terug in het surrealisme, het expressionisme en vele andere stromingen die volgden.
De iconische schilderijen van Picasso – of het nu Les Demoiselles d’Avignon is die de schilderkunst in 1907 op zijn kop zette, Guernica die de wereld bewust maakte van de wreedheid van oorlog, of zijn talrijke portretten die de kunst van het gezicht opnieuw definieerden – worden overal ter wereld nog steeds bestudeerd, tentoongesteld en bewonderd. Hun kracht om op te roepen is door de tijd heen niet afgenomen. Meer dan vijftig jaar na het overlijden van de kunstenaar voelt het publiek nog steeds een bijzondere emotie bij een Picasso, een teken dat zijn genialiteit tijdloos is.
Ten slotte is de aantrekkingskracht van Picasso's werken zo groot dat zijn beelden nu deel uitmaken van de populaire cultuur. Veel kunstliefhebbers willen thuis een reproductie van Guernica of De Droom bezitten, om zich te laten inspireren door deze creatieve geest. Deze begeerte getuigt van de unieke plaats die Picasso inneemt: die van een universele kunstenaar wiens beroemde schilderijen generaties overstijgen en een onuitputtelijke bron van inspiratie blijven.
FAQ over de beroemde schilderijen van Picasso
Wat is het beroemdste schilderij van Picasso?
Het beroemdste schilderij van Picasso is Guernica, geschilderd in 1937. Dit monumentale zwart-wit werk, dat de gruwelen van oorlog aanklaagt, wordt beschouwd als zijn meest emblematische meesterwerk. Guernica is te zien in het Museo Reina Sofía in Madrid en wordt vaak genoemd als een van de belangrijkste schilderijen van de 20e eeuw. Andere zeer bekende schilderijen van Picasso zijn onder meer Les Demoiselles d’Avignon (1907) en La Femme qui pleure (1937), maar Guernica blijft over het algemeen het meest bekend.
Wat is de prijs van een schilderij van Picasso?
Er bestaat geen vaste prijs voor een schilderij van Picasso – alles hangt af van het betreffende werk. De prijzen kunnen variëren van enkele duizenden euro's voor een tekening of een ets van Picasso, tot meerdere miljoenen (of zelfs tientallen of honderden miljoenen) euro's voor zijn beroemdste doeken. Bijvoorbeeld, in 2015 werd Les Femmes d’Alger (Version O) verkocht voor ongeveer 179 miljoen dollar, wat een veilingrecord vestigde. Over het algemeen worden de meeste grote schilderijen van Picasso die tegenwoordig van eigenaar wisselen, verhandeld voor bedragen met zeven of acht cijfers. Het bezitten van een origineel van Picasso is dus een aanzienlijke investering, toegankelijk voor een zeer beperkte kring van verzamelaars.
Wat zijn de artistieke periodes van Picasso?
Picasso heeft tijdens zijn carrière verschillende artistieke periodes doorgemaakt, elk met een specifieke stijl en thema's:
-
De blauwe periode (1901-1904): melancholische werken met blauwtinten, vaak armoede en verdriet uitbeeldend (bv. De Oude Gitarist).
-
De roze periode (1904-1906): vrolijkere schilderijen met roze en okerkleuren, vaak met het thema circus en straatartiesten (bijv.: Acrobatenfamilie).
-
Kubisme (1907-1915): Picasso is medeoprichter van het analytisch kubisme (gefractioneerde geometrische vormen, bv. Portret van Ambroise Vollard) en daarna het synthetisch kubisme (meer vereenvoudigde en gekleurde vormen, bv. De Drie Muzikanten).
-
De terugkeer naar het classicisme (jaren 1920) : na de Grote Oorlog schildert Picasso meer klassieke en monumentale figuren die doen denken aan de antieke kunst of de Renaissance (bv. Les Baigneuses uit de jaren 1920).
-
De surrealistische periode (jaren 1930): hoewel Picasso niet formeel surrealistisch is, wordt hij door deze beweging beïnvloed. Zijn werken uit die tijd vertonen droomachtige vervormingen en sterke symbolen (bijv.: De huilende vrouw, 1937).
-
De late periode (jaren 1940-1973): Picasso verkent tot het einde van zijn leven een grote verscheidenheid aan stijlen. Hij maakt schilderijen geïnspireerd door de grote meesters uit het verleden (series naar Velázquez of Manet), expressieve werken met levendige kleuren en erotische tekeningen. Zijn laatste muze, Jacqueline Roque, verschijnt in talrijke gestileerde portretten in de jaren 1950-60.
Deze periodes volgen elkaar op en overlappen soms, wat de voortdurende evolutie van Picasso weerspiegelt. Elk heeft bijgedragen aan het smeden van de legende van de kunstenaar en biedt een andere kant van zijn creatieve genialiteit.
Waar kan je de beroemde schilderijen van Picasso zien?
De beroemde schilderijen van Picasso worden tentoongesteld in tal van musea over de hele wereld. Om zijn iconische werken te bewonderen, zijn er verschillende onmisbare instellingen:
-
In Spanje, zijn geboorteland: het Museo Reina Sofía in Madrid herbergt Guernica. Het Picasso Museum in Barcelona verzamelt op zijn beurt een grote collectie van zijn jeugdwerken en zijn blauwe periode.
-
In Frankrijk, waar Picasso lange tijd heeft gewoond: het Picasso Museum in Parijs (Hôtel Salé) toont honderden werken van de kunstenaar (schilderijen, beeldhouwwerken, keramiek...), waaronder meesterwerken uit verschillende periodes.
-
In de Verenigde Staten: het Museum of Modern Art (MoMA) in New York bezit Les Demoiselles d’Avignon evenals verschillende belangrijke kubistische werken. Het Metropolitan Museum of Art in New York en het Art Institute of Chicago bezitten ook belangrijke schilderijen van Picasso.
-
Elders in de wereld: de Tate Modern in Londen, het Museo Picasso Málaga, of het Pushkin-museum in Moskou tonen ook beroemde Picasso's. Bovendien worden er regelmatig tijdelijke tentoonstellingen over de hele wereld georganiseerd, waardoor uitzonderlijke bruiklenen van belangrijke werken van Picasso te zien zijn.
Samengevat, om beroemde schilderijen van Picasso te zien, moet men naar de grote musea voor moderne en hedendaagse kunst gaan. Parijs, Barcelona, Madrid, New York, Londen zijn enkele van de belangrijkste bestemmingen om onder te dompelen in het schilderachtige universum van deze genie uit de 20e eeuw.
FAQ over Alpha Reproduction
Wat biedt Alpha Reproduction aan?
Alpha Reproduction is een online winkel die gespecialiseerd is in de reproductie van kunstwerken. Ze biedt reproducties van beroemde schilderijen te koop aan, gemaakt met een hoog niveau van kwaliteit en trouw. Concreet stelt Alpha Reproduction kunstliefhebbers in staat om handgeschilderde kopieën van meesterwerken in olieverf te verwerven. De catalogus omvat tal van kunstenaars en stromingen (van klassiek tot modern). Het doel is om de mogelijkheid te bieden om je interieur te decoreren met een gereproduceerd schilderij dat de esthetiek van het origineel respecteert, en dat alles tegen een veel betaalbaardere prijs dan een authentiek kunstwerk.
Kan men een reproductie van de beroemde schilderijen van Picasso bestellen bij Alpha Reproduction?
Nee, vanwege de nog geldende auteursrechten op een belangrijk deel van het werk van Pablo Picasso, biedt Alpha Reproduction geen reproducties aan van zijn beroemde schilderijen. Sommige werken van Picasso, hoewel zeer bekend, worden nog steeds beschermd door de intellectuele eigendomswetgeving, en hun reproductie voor commerciële doeleinden is niet toegestaan zonder toestemming van de rechthebbenden. Bij Alpha Reproduction respecteren we deze wetten strikt om een ethische en wettige bedrijfsvoering te garanderen.
U kunt echter onze uitgebreide catalogus van kunstwerken verkennen die tot het publieke domein behoren, afkomstig van vele grote meesters uit de kunstgeschiedenis. Wij bieden handgemaakte olieverfreproducties aan, trouw aan de originelen, om uw interieur elegant en authentiek te decoreren.
Hoe worden de reproducties gemaakt?
De reproducties van Alpha Reproduction worden ambachtelijk en traditioneel vervaardigd. In plaats van eenvoudige digitale afdrukken, gaat het om echte olieverfschilderijen die met de hand zijn gemaakt. Concreet, zodra de bestelling is geplaatst, zal een kopieerkunstenaar het gekozen schilderij schilderen, geïnspireerd door een hoge resolutie referentieafbeelding van het originele werk. Hij werkt op een professioneel kwaliteitsdoek en reproduceert nauwgezet de kleuren, penseelstreken en details van het schilderij. Het proces kan enkele dagen tot weken duren, afhankelijk van de complexiteit van het werk, omdat de schilder ervoor zorgt dat de kopie zo getrouw mogelijk is (respect voor verhoudingen, texturen, handtekening, enz.). Zodra het schilderij klaar en droog is, ondergaat het een kwaliteitscontrole. Het resultaat is een geschilderde reproductie die het uiterlijk en de sfeer van het meesterwerk van Picasso weergeeft, klaar om aan de muur te hangen. Deze ambachtelijke productiemethode garandeert dat elke reproductie uniek en zorgvuldig is, ver verwijderd van industriële gedrukte posters.
Wat zijn de levertijden?
De levertijden bij Alpha Reproduction omvatten de tijd voor het maken van de reproductie en de verzending tot bij u thuis. Aangezien elk schilderij op aanvraag met de hand wordt geschilderd, moet u rekening houden met een productietijd van gemiddeld ongeveer 2 tot 4 weken (variërend afhankelijk van de grootte en complexiteit van het werk). Tijdens deze fase maakt de werkplaats van Alpha Reproduction uw schilderij met zorg. Zodra de reproductie voltooid is, is de levering op zich vrij snel: het bedrijf gebruikt meestal een expresvervoerder (UPS, DHL of FedEx) met tracking, wat een levering binnen 2 tot 5 werkdagen wereldwijd mogelijk maakt. De levering wordt vaak gratis aangeboden door Alpha Reproduction. Zo kunt u in totaal verwachten uw reproductie van een beroemde Picasso binnen ongeveer 3 tot 5 weken na uw bestelling te ontvangen. Uiteraard houdt Alpha Reproduction u op de hoogte bij elke stap – van de start van de productie van het schilderij tot de verzending – zodat u de voortgang kunt volgen en zich kunt voorbereiden op de ontvangst van uw kunstwerk.
Door te kiezen voor Alpha Reproduction, hebben kunstliefhebbers dus de garantie van kwaliteitswerk, uitgevoerd binnen redelijke termijnen gezien het ambachtelijke karakter, om uiteindelijk thuis te kunnen genieten van de grootste schilderijen met volledige tevredenheid.
